EL RENACIMIENTO (XV-XVI)
El término renacimiento viene de la palabra
“rinascere” y entendemos por ello un
movimiento artístico que reinterpreta la
humanidad.
En filosofía básicamente Grecia, y en escultura y
arquitectura: Roma.
Musicalmente hablando, el Renacimiento se inicia
hacia mitad del siglo XV pero no es hasta finales del siglo XVI cuando se imita
la música de la antigüedad.
Hay un gran desarrollo de nuevas técnicas y
tendencias musicales, el eje sigue siendo la polifonía, especialmente la música
vocal. El centro de la creación musical se desplaza paulatinamente de Francia a
Italia, aunque los principales maestros del Renacimiento provenían del norte de
Francia y los Países Bajos, por este motivo el estilo musical que estos crearon se llamaba ESTILO FRANCO-FLAMENCO.
LA
MÚSICA FRANCO-FLAMENCA
Características
Esta música se desarrolló a lo largo de seis
generaciones (1430-1600) y entre las aportaciones destacamos las siguientes:
-Uso del
acorde tríada.
-Concepción
simultánea de las voces (Todas
tienen la misma importancia).
-Uso de
melodías sencillas estructuradas
de acuerdo a las pausas del texto.
-Pulso
regular (Tactus), la velocidad
del tactus depende del corazón humano.
-Empleo
de cuatro nuevos tonos. (9: TLA
DMI, 10: TLA DRE ; 11: TDO DSOL, 12: TDO DFA). A las doce escalas del
Renacimiento se las llamaba en la época dodecacordon.
-Fabordón: Son tres líneas melódicas paralelas que se
mueven a distancia de intervalos de 3ª y 6ª.
-Composición
a cuatro voces; a las tres voces
del Ars Nova se le añade en el siglo XV la cuarta voz. Esta cuarta voz sonaba
por debajo del tenor, era más grave, por lo que recibía el nombre de
“Contratenor bajo”. Con el tiempo se llamó simplemente bajo.
Las cuatro voces se llaman así: 1.Superius
(Soprano), 2.Contratenor Altus (Contralto), 3.Tenor, 4.Contratenor Bajo (Bajo).
La última es el soporte de la armonía.
-Desarrollo
de la cadencia tonal; las voces
se articulan según las pausas del texto. Dependiendo de la importancia de la
pausa se empleaban diversos tipos de cadencias; la más importante de estas
cadencias era la que se ponía al final de una sección o al final de una pieza y
recibía el nombre de cadencia perfecta-esto es un acorde de dominante seguido
de una tónica. Esta cadencia funcionaba muy bien en la composición a cuatro
voces y se convierte en norma hacia 1480. Muchas veces hasta esa fecha las
cadencias aparecían sin la 3ª (acorde hueco). A partir de la fecha antes
señalada se va a emplear la tercera siempre M (2t), que se llamará tercera de
picardía.
-Empleo
de la “parodia”; además de
utilizar textos religiosos o “cantus firmus” en la voz del tenor (Origen
religioso y servían de base para componer una obra nueva), en el Renacimiento
se emplean canciones profanas para escribir sobre ellas una nueva composición a
cuatro voces. E.d: Composiciones elaboradas a partir de la canción “el hombre
armado” que era un tema musical que se cantaba en la época de la guerra de los
100 años.
GÉNEROS
VOCALES Y NOTACIÓN
Dentro de los géneros vocales, que son los más
importantes de esta época distinguimos entre:
a) Géneros sacros:
-Basados en los cantos del propio (Kyrie, gloria,
credo, sanctus y agnus dei). Misa
-Composiciones a partir del oficio: el más
importante es el magníficat; aunque también se pone música en España a los
oficios de la Semana Santa.
-El motete: dejan de ser isorrítmicos y
politextuales, el nuevo motete se adapta al texto, el cual se musicaliza.
Normalmente para cada párrafo se escribe una sección.
Recordemos que toda la música sacra se escribe en
latín. Aunque a partir de las reformas protestantes aparece el “Coral Luterano”,
escrita en Alemán.
b) Géneros profanos:
-Abarcan las composiciones cuyo motor no es la religión, por tanto se
escribían en las lenguas propias de cada país o zona. Destacamos tres:
-Chanson o canción de Francia y los Países Bajos.
Se escribía en francés y normalmente tenía un estribillo con diversas estrofas.
-Madrigal, descendiente del antiguo madrigal del
Trecento. Tenía forma libre y se componía a partir de una poesía, se escribía
en italiano. Era la forma más refinada de la época.
-Villancico, se escribía en español y tenía forma
de estribillo con diversas estrofas. La temática a veces era de carácter
popular, como por ejemplo los villancicos de navidad.
NOTACIÓN DEL
RENACIMIENTO
Durante esta época la
notación cambia respecto a la Edad
Media, se conoce con el nombre de notación mensural blanca, ya que las cabezas
de las notas no se rellenaban de tinta (negro o rojo). A partir del siglo XVI
la notación ya no se hace a mano, si no que se imprime. Se sigue escribiendo en
el pentagrama y no existían las barras divisorias de compás, respecto a los
compases se siguen empleando los signos del Ars Nova y son los siguientes:
C-2.2 <> O 3.2 <> (I) 3.4 <> Cl 2.4 ---Los dos
primeros (Círculo y c) para la religiosa y los de la derecha para la
profana.
Respecto a las figuras
son las siguientes:
Longa 1
Máxima 2
Breve 3
Semibreve 4
Mínima 5
Semimínima 6
Fusa 7
Semifusa 8
HISTORIA DE LA MÚSICA DEL RENACIMIENTO
Música
Francoflamenca
Hace referencia a los músicos del norte de Francia
y de Flandes.
En un principio estos músicos recibieron
influencia inglesa, entre las técnicas empleadas por estos compositores se
destaca el fabordón y el empleo de
tríadas. Destacamos seis generaciones de músicos francoflamencos, en la
primera el músico más importante es Dufay
el cual compuso los últimos motetes isorrítmicos de la historia. Entre su
música religiosa destacan sus misas de parodia, así como varios himnos
polifónicos en fabordón. Respecto a la música profana compuso sobre todo
Rondós, forma que pronto se sustituirá por la chanson.
En la segunda generación , hacia 1470 se introduce
la técnica del canon. Había varias formas de hacer canones; directo, inverso,
proporcional, por grados… haciendo que la música de esta generación sea
relativamente complicada de analizar. El músico más importante es Johannes
Ockeghenm. Entre sus obras más destacadas citamos la misa prolatiorum, que es
una composición canóninca en el que cada parte del ordinario está escrito en
unas figuras diferentes.
En la tercera época o generación la música se
humaniza y desaparece prácticamente estas proporciones matemáticas canónicas en
pos de una imitación contrapuntística más relajada. En esta época encontramos a
uno de los músicos más importantes de la historia Josquín des Prez, que vivió entre 1469 y 1521, en palabra
de Martín Lutero: “A otros las notas dominan en su música; Josquín domina las
notas”. Compuso música de todo tipo, tanto vocal profana, religiosa como
instrumental (even). Entre su música religiosa el género que más cultivo fue el
motete inventando la denominada “imitación desarrollada”, consiste en
utilizar diferentes motivos a lo largo de la obra que se reparten entre todas
las voces. Otra técnica inventada por él que tuvo mucho éxito es el “bicinium”-esto es trabajar las voces
de dos en dos-. Por último es también el músico que introduce el simbolismo
musical* (música reservata) en sus obras.
Sus obras más significativas fueron: La chanson
del emperador, Mille regrets, así como varios motetes (Ave maría). Fue uno de
los primeros compositores francoflamencos en trabajar en Italia (ferrara) en la
corte de los mecenas. à
A partir de 1520 los compositores flamencos se
trasladan casi sin excepción a Italia, ya que, en esta tierra había mucho
dinero, y cada corte hacía de mecenas, Por eso en Italia se conocía a los
músicos flamencos con el nombre de “ultramontanos”, más allá de las montañas.
El músico flamenco más importante de la quinta
generación es Orlando de Lasso, el cual trabajó en Nápoles, Roma y München.
Compuso cerca de 200 madrigales italianos, cerca de 150 chansones francesas y
motetes y misas religiosas.
Reforma
y contrarreforma
Durante esta época (1517) se produce la protesta
de Martín Lutero en Alemania, este era un monje que se hartó de la hipocresía
de la iglesia católica y puso en la catedral de su ciudad un folio manuscrito
criticando al papa, esto es el inicio del protestantismo, el cual le dio mucha
importancia a la música (pero no cantada en latín). De hecho Lutero decía que
después de la teología, la música era lo más importante. Lutero fue por otro lado el padre del coral luterano-esto es
una composición polifónica a cuatro coces en la que las melodías se colocan en
vertical, no hay ni imitación ni canones y la voz principal se pone en la
soprano-.
La reforma no le calló bien al mundo católico y
dio lugar a una guerra de religión que no terminaría hasta 1648 con la derrota
de los católicos.
Musicalmente hablando los católicos reaccionaron
ante la música luterana con la llamada “contrarreforma”, esto es la reforma de
la música católica. Se eligió como modelo las composiciones del maestro romano
Pierre Luigi de Palestrina, este era el maestro de capilla del vaticano
(compositor más importante) y componía las músicas para el papa (motetes y
misa). Entre las aportaciones del estilo de Palestrina destacamos:
-Abandono de las misas de parodia
-Melodías inspiradas en el canto gregoriano
-Piezas cantadas sin acompañamiento de
instrumentos
El objetivo de todo esto era devolver a la música
dignidad en la expresión y que el texto
se comprendiese fácilmente, la obra más importante de Palestrina fue: La misa
del Papa Marcelo.
Música
en Venecia
La segunda ciudad en importancia, musicalmente
hablando es Venecia, era una república riquísima gracias al comercio con
oriente, la vida musical de esta ciudad se centraba en torno a la catedral de
San Marcos, una iglesia imponente del siglo XI , para esta catedral trabajaron
los músicos más importantes de Italia, como por ejemplo Giovanni y Andrea
Gabrielli. Estos compositores escribieron sobre todos motetes policorales (para
varios coros). Una composición policoral solía tener entre 8 y 16 voces aunque
había alguna para 48 voces. En estas obras policorales combinaban voces con
instrumentos, colocándose los intérpretes en distintas partes de la catedral siendo
coordinados y dirigidos por el maestro de capilla desde el órgano.
Los instrumentos que se tocaban en Venecia eran
sobre todo el Corneto y el Violín, el primero dejo de usarse debido a una peste
que los mató a todos.
EL
RENACIMIENTO EN ESPAÑA
Uno de los periodos más fructíferos de la música
española hasta el extremo que se a este siglo se le llama el siglo de oro de la
polifonía española. Como pasaba en el resto de Europa la música religiosa es de
más enjundia que la profana.
Distinguimos entre los músicos del siglo XV y del
XVI, los primeros con menos importancia que los últimos, con una música más
casera, sin influencia del estilo internacional de los músicos francoflamencos.
Este panorama cambia radicalmente con la llegada
al poder de Carlos V de Alemania y I de España. Ya que con él vienen a España a
su vez, sus músicos que eran de origen Flamenco.
Respecto al S.XV, época de la creación de España.
El periodo más importante fue el de los Reyes Católicos (finales del siglo XV),
al igual que en otras cortes europeas; se rodearon de músicos, ministriles y
cantores. La mayor parte de la música conservada se encuentra compilada en dos colecciones de canciones o
cancioneros; el más importante es el llamado Cancionero de Palacio-esto
es los cantos de la corte-, el segundo en importancia es el cancionero del
Duque de Calabria. Entre los
compositores que aparecen en estos cancioneros destacamos a “Francisco de
Peñalosa”, “Ambrosio Dalza” y sobre todo “Juan de La Encina” (Salamanca).
Respecto al S.XVI, con el Emperador Carlos, vino a
la península el compositor “Henrikuke Isaak”, uno de los músicos más
importantes de la época, el cual enseñó a los músicos españoles las técnicas
europeas del contrapunto, parodia, etc.
Los músicos españoles más importantes del XVI
fueron: Cristóbal de Morales, Tomás Luis de Victoria y Francisco Guerrero. Los
tres escribieron sobre todo música religiosa en particular misas y motetes,
aunque F.G escribió también villancicos.
Obras destacadas de estos autores son: CdM: El oficio
de difuntos (oficium de fonctorum), TLdV: El motete Ave María (tan famoso…) y
de F.G: Niño de dios herido.
En ésta época se cultivó la música en España la
instrumental, la del siglo XVI más interesante que la del siglo XV, en
particular debemos destacar aquella escrita para la vihuela (vigüela). Era un
instrumento parecido a la guitarra actual (más pequeña) de cuerda pulsada,
existían diversos tamaños de vihuelas con distintas afinaciones, entre
1520-1576, se escribieron 9 tratados con música para Vihuela, siendo el más
importante el libro de “El maestro” Luis de Milán. Misteriosamente desapareció
a finales del siglo XVI y su hueco lo cubrió la guitarra pequeña. Otro
instrumento que se cultivó en España fue la Viola de gamba, destacándose las
obras de Diego Ortiz.
Por último en el S.XVI en España también se
escribió para teclado (órgano y clavicémbalo) el músico más importante fue Antonio
de Cabezón, que se especializó en escribir tientos(un motete pero sin
texto).
Respecto a los teóricos musicales destacamos a
Tomás de Santa María, y escribió un libro sobre como emplear la armonía de su
época en las composiciones (El arte de tañer fantasía). Otros teóricos fueron
Ramos de Pareja, Francisco Bermudo o
Francisco de Salinas (Salamanca).
FORMAS
VOCALES PROFANAS
Entendemos como música profana la música cuyo
móvil no era la religión. Básicamente canta al amor profano. Esta música no se
escribía en latín, sino en lenguas vernáculas. Las tres formas más importantes
son:
-En España el Villancico; se escribe en español y
tiene un estribillo y diversas estrofas. Destacamos los escritos por Juan de la
Encina o F.G.
-En Francia y en estilo francoflamenco la
composición más importante es la chanson; habitualmente no tenía estrofas ni
estribillo-era la musicalización de un poema-, las había de muy diversa
naturaleza(amor++,guerra e incluso ambientadas en mercados o imitando cantos de
pájaros o animales). Escritores famosos fueron Clement Janequin, el famoso
Josquín des Pres y Orlando de Lasso.
-Sin embargo la forma más importante del
Renacimiento fue el Madrigal, de origen italiano. Consistía en poner música a
un poema muy refinada de autores consagrados, como Petrarca, Ariosto… Esta
forma aparece hasta 1530 y pronto se convierte en la favorita de la música
refinada Europea, hasta el extremo de exportarse a otros países ajenos a Italia,
como Inglaterra o España. El madrigal se cantaba a 4 o 5 voces con
acompañamiento de un Laúd normalmente. Destacamos tres periodos en su génesis:
a) Primer periodo (1530-1560): Llamado madrigal clásico, entre los compositores de este momento, el más famoso fue Jacob
Arcadel.
b) Segundo periodo (1560-1580): Llamado
madrigal manierista y se denomina
así porque empleaban efectos musicales que intentaban traducir con sonidos el
significado de las palabras. (E.d: Si dolor-> música áspera disonante. Si
pasiones ardorosas-> entonces la música se agitaba con escalas muy rápidas
que pasaban de una voz a otra)Esta técnica que consistía en relacionar la
música y el texto recibió en la época el nombre de música reservata. Entre los
compositores destacamos Maluca Marencio o Cipriano de Rore.
c)Tercer periodo (1580-1620): Llamado madrigal tardío, en este periodo el madrigal se impregna de
cromatismos y se generaliza el uso de de efectos descriptivos del período anterior
y pasan a llamarse madrigalismos. Algunos de ellos son tan estrambóticos como
el poner muchos silencios expresivos
cuando se habla de morir.
Entre los compositores de esta etapa destacamos a
Carlos Jeusaldo que era príncipe de Venosa y mató a su mujer por celos (pincho
moruno). Sin embargo el compositor más importante fue Claudio Monteverdi, el
cual empezó componiendo madrigales ; escribió 8 libros de madrigales Los cinco
primeros renacentista (Stilo Antiquo) y los tres últimos en estilo barroco
(Stilo Moderno). Un madrigal muy famorso del S.A de Monteverdi fue: “Cruel
Amarilli”.
Por último, en este tercer periodo, destacamos los
madrigales escritos en Inglaterra, por músicos tales como John Dowland, William
Byrd. Del primero destacamos “Flow my tears”. Por último indicar que en España
se llamaba Madrigal a un poema (como los de G.de La Vega a principios del XVI)
Aunque hubo algunos compositores como Juan Vázquez que musicalizaron madrigales
(De los Álamos vengo, madre).
Música
instrumental
Llamamos música instrumental a aquella que se interpreta con instrumentos
musicales, aunque también debemos tener en cuenta que hay piezas vocales
acompañadas con instrumentos-y se llama música vocal-. Las clases dominantes
del renacimiento valoran la música instrumental más que en épocas pasadas,
razón por la cual se produce una verdadera explosión de música instrumental en
todos los países europeos. Teóricos como Tíctoris o Castiglione-este último en
su libro el cortesano- nos hablan de
la importancia de la educación de los nobles de saber tocar un instrumento.
Como consecuencia de este interés por la música instrumental, aparece un gran
número de métodos y tratados que enseñan a tocar diferentes instrumentos-así
por ejemplo el tratado fontegara de
Ganasi enseña a tocar la flauta dulce, el tratado de Violones de Diego Ortiz enseña a tocar la viola da gamba o el libro
de Cifra, Arpa y
Vihuela a tocar el Arpa, la vihuela
y los teclados; Hernando de Cabezón.
Respecto a las formas instrumentales del
Renacimiento, según el musicólogo Howard Mayen Brown se puede agrupar en siete
categorías como vemos en su libro Music
in the Renaisance:
1) Piezas vocales transcritas para instrumentos-motete
con órgano-
2) Adaptación de melodías antiguas para clave y
laúd.
3) Obras compuestas a través de bajos ostinatos
4) Piezas de carácter improvisatorio
5) Obras que imitan las piezas vocales
6) Música de danza
7) Obras para voz con acompañamiento de laúd o
vihuela
Respecto al desarrollo histórico el primer país
que citaremos será Italia:
El instrumento era el Laúd que al poder tocar
música polifónica servía para acompañar todo tipo de música profana. Era un
instrumento dado a la improvisación, la mayor parte de música para el Laúd se
escribía en tablatura, y el autor más conocido es Franchesco de Milano que
escribió un tratado que se llamaba in
tabolatura di l’auto.
Respecto a las piezas para teclado se compusieron
especialmente para los órganos de la catedral de San Marcos en Venecia,
especialmente tocatas, destacando compositores como Claudio Merulo.
Respecto a los conjuntos instrumentales destacamos
los cuartetos de flautas y violas da gamba, así como las agrupaciones de
viento; Sacabuches y Cornetos y en cuerda: Violines, de la catedral San Marcos
de Venecia.
Entre los compositores destacamos a Gabrieli o a
Palestrina.
Otro país con una rica tradición instrumental es Inglaterra; entre los conjuntos
instrumentales de este país destacamos el Consort-esto es un conjunto de
instrumentos bien pertenecientes a la misma familia (Whole Consort) o bien
instrumentos que mezclan la cuerda con el viento (broken consort)- Entre los
primeros lo más importantes son los de
Viola da gamba, entre los de broken consort los más importantes eran con Viola,
laúd y flauta.
Autores que escribieron para este tipo de
composiciones fueron: Taverner, Byrd, Tomás Morley o John Dawland.
Otros dos
instrumentos fueron: El virginal y el Laúd.
Danzas
Cortesanas
Llamamos
danzas cortesanas a aquellas que se bailaban en las cortes. En todo joven
cortés era fundamental saber bailar bien, moverse con elegancia y distinción
así como el buen vestir y el buen hablar, es decir, la vulgaridad estaba fuera
de su educación, ya que esta estaba presidida por el decoro. Todos estos datos
los recoge en el manual del cortesano Baltasar
de Castiglione.
Respecto a la danza, la disciplina de los
movimientos les enseñaba a andar y a moverse. Hablando de la música de danza,
propiamente dicha, tenemos varios métodos:
El más antiguo es Il bailarino de Fabrizzio di
Caroso (1581)-incluye las coreografías y movimientos, tanto en pareja como en
grupo, de danzas tales como; la pavana, el passamezzo y el Balli.
El siguiente lo encontramos en Francia y se llama
orqueseographie, que aborda todas las danzas que se bailaban en Francia en la
época, desde las que iban más lentas a las que iban más rápidas, así como las
de origen popular como los “bansles”.
Entre las danzas coreografiadas por Ardo destacamos la Gallarda, la bourré, la
gallarda y otras que se harían más famosas en el siglo siguiente, especialmente
en la corte del rey Sol, Luis XIV.
Respecto a los compositores de música de danza en
Francia, destacamos a Susato, Palese, o a Moderne. Estos fueron los padres de
la suite.
El tercer método es el de Victorio Negri, llamado Il ballo.
Los
instrumentos del Renacimiento.
Para el
estudio de los instrumentos de esta época tenemos el libro sintagma musicum en el que se recogen los instrumentos más
significativos los siguientes:
-Cordófonos:
·
Cuerda
frotada: Violas Da gamba (soprano,alto,tenor,bajo). Viola de Brazo. Lira(12)
·
Pulsados:
Arpa, Laúd, Vihuela(guitarra). Citarrón (casi barroco)
·
Pinzados:
Clave, Virginal.
-Aerófonos:
·
Embocadura
flauta: Flauta de pico (sop,alt,ten,bajo), flauta travesera
·
Doble
lengüeta: Cromornos (sop,alt,ten,bajo), sordonoes (s,a,t,b)
·
Embocadura de
cáliz: Corneta
-Metales:
·
Trompeta
recta
·
Sacabuches
(trombones): S,A,T, B.
-Teclado
·
Órganos.
Portativo, Positivo, de Iglesia
·
Regal
Por último, en el Renacimiento los instrumentos se
clasificaban en: a)instrumentos altos, sonidos fuertes que sonaban al aire
libre. )instrumentos bajos, sonaban bajo.
Primero viento y percusión y segundo los de
cuerda. Es una clasificación un tanto pedestre
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