sábado, 25 de febrero de 2012

HISTORIA DE LA MÚSICA PAU: EL BARROCO


EL BARROCO
Es una de las épocas más importantes de la historia de la cultura y el arte, ya que es uno de los periodos más interesantes y ricos musicalmente hablando por la gran cantidad de compositores, formas, estilos y técnicas que aparecen. Cronológicamente hace referencia al siglo XVII y XVIII. Barroco significa en portugués “perla irregular” y no fue utilizada esta expresión hasta bien entrado el siglo 20.

EVOLUCIÓN DEL LENGUAJE EXPRESIVO
El barroco buscaba sobre todo la dramatización afectiva, o exagerada de afectos y sentimientos. En el Renacimiento se expresaban de una  forma amable, equilibrada, elegante…. Y en el Barroco, en cambio, se da rienda suelta a las pasiones del alma y del cuerpo (pathos).
Según el doctor Emilio Casares-musicología UCM- esta intensificación o dramatización  de los afectos o sentimientos se consigue a través de tres principios:
·         1º. Intensificación emocional: Los sentimientos se expresan de forma muy vivida, muy teatral, casi con violencia.
·         2º. Búsqueda del contraste: Se hace a través de contraponer movimientos rápidos con otros lentos, instrumentos graves y agudos, sonidos pianos y sonidos fuertes.
·         3ºBúsqueda del movimiento:  Por eso utiliza ritmos mecánicos que empujan la música hacia delante, decora la melodía con muchos ornamentos, le gusta utilizar pasajes muy virtuosísticos.

Sin embargo para los teóricos de la época- Mersenne, Kircher, Descartes- la música era capaz de modificar los afectos humanos al ser oídos. Como consecuencia otro teórico llamado Matheson escribió una teoría de los afectos para la cual existía una fórmula rítmicomelódica para cada uno. Esta fórmula se nombraba con nombres tomados de la retórica, esta es la razón por la que la música se considera tan retórica-ya que existían hasta 107 fórmulas que todo compositor debía conocer para escribir música-. Por este motivo las obras de los compositores  están llenas de simbolismos que no llegamos a entender en su totalidad.
Más interesante para nosotros son las novedades musicales respecto al renacimiento, que son las siguientes:
·         Aparición del bajo continuo, que es una melodía grave escrita en clave de fa y que actúa como el soporte armónico de la pieza, con forme avanza el trabajo se hace más saltarín (más rítmico).
·         Aparece el “concertato” (principio concertante), según el cual sobre el bajo continuo se escribe o compone una melodía principal aguda. En los orígenes del Barroco se denominaba a esta nueva técnica de composición la monodia acompañada.
·         La tonalidad Mayor y Menor, los doce tonos del renacimiento se reducen a dos modos: modo mayor y menor.
·         Cambio en la escritura musical: aparecen las líneas divisorias, la armadura y las cabezas de las figuras se redondean, y los compases se empiezan a escribir con números.

Por último recordemos que durante esta época la música Barroca se llamaba “segunda práctica” o “música nueva” y la del Renacimiento se llamaba “primera práctica” o “stilo antiquo”.

EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA
 Una de las grandes aportaciones del Barroco a la historia de la música fue la ópera. Surge en ambiente cortesanos muy refinados y estaba escrita para pocas personas, que normalmente solían ser las clases dirigentes (ópera áulica). La temática de estas obras estaba tomada de la mitología griega y en realidad lo que intentaban estas primeras obras era resucitar las tragedias clásicas griegas, por esta razón tenían títulos como Dafne, Eurídice, Orfeo… el nombre original era “Fabola in Musica”/”Drama in Musica” y todas acababan trágicamente (fatum).
Sin  embargo hacia 1650 y por la presión del público se empezó a desvirtuar el final trágico terminando estas con un final feliz.

Una de las primeras obras es L’Orfeo – Claudio Monteverdi, compuesta en 1607 para la familia de los Gonzaba-duques de Mantua-. Cuenta la historia de Orfeo y Eurídice en 5 actos.
Como vemos la ópera se inventó en Italia (Firenza y Mantua) pero a mitad del siglo XVII había dos ciudades en las que la ópera se convirtió en un espectáculo muy importante, y se representaba todo el año salvo en cuaresma y adviento.  Estas dos ciudades fueron Roma y Venecia.
La primera, era la capital de los estados pontificios gobernada por el Papa. La temática de estas óperas era religiosa; como por ejemplo la ópera de Stefano Landi llamada Sant Alessi.
Venecia que era una república riquísima gracias al comercio con oriente. Se creó el primer teatro público en el que previo pago de entrada se asistía al espectáculo. En Venecia trabajó Monteverdi y compuso varias óperas de las que se han conservado tres. La más importante es la colonización de Copea. Otro autor importante era Cabali, autor de la ópera Jason.
Nápoles tomó el relevo- que en aquella época pertenecía al imperio español- literalmente se volvió loca por la ópera y se convirtió en el espectáculo por excelencia, allí se inventa el aria da capo ABA, Así como la sinfonía avanti la ópera, que es una especia de obertura principal. El más importante fue Alejandro Scarlatti.
Ya a principios del siglo XVII aparece la llamada ópera bufa, en la que los argumentos no eran ni históricos ni mitológicos, sino más bien de la vida cotidiana. Entre estas destacamos la serva padrona de Pergolesi.
La ópera empezó a extenderse fuera de Italia en la segunda mitad del siglo XVII, así por ejemplo la primera ópera alemana conservada es de 1647  Dafne de Henrich Schütz.
Los centros operísticos más importantes de Alemania fueron Hamburgo, Hannover y Dresde.
Otro centro operístico importante fue Inglaterra, allí se combinaba el baile con la ópera. Al principio este espectáculo se conocía como Mascaradas, sin embargo el músico más importante Inglés es Henry Purcell-Dido y Eneas- También escribió música instrumental para obras de teatro-The Fairy queen- Comedia atribuida a Shakespeare. Por último la ópera se introdujo en España hacia 1650 se ampliará en el apartado de la música española barroca.
LA ÓPERA EN FRANCIA: Ballet de court, tragedia lírica y comedíe Ballet.

Uno de los músicos italianos emigrados en  Francia fue Jean Baptiste Lully (1682-1687), violinista de la corte del Rey Sol y gran intrigante, consiguió los favores del rey para el cual ideó una ópera francesa nacional con unas características propias:
1.       Obertura  francesa. Con dos secciones, la primera muy solemne con ritmos con puntillos y la segunda es un fugato.
2.       Prólogo de alabanza al Rey.
3.       Recitativos adaptados al francés.
4.       Arias con estribillo
5.       Aparición de coros
6.       Música de ballet, danzas, danzas cantadas.

En Francia la ópera recibía el nombre de “Tragedie Lyrique”, la primera fueCadmus et Hermione” escrita en 1673 con libreto(libretistas, para compositores) de Quinault. Autores de una generación posterior tomaron el relevo a Lully, el cual murió clavándose el bastón de director-en un pie- mientras se dirigía la ópera.
Entre los compositores destacamos a dos:
-Marin Marais
-Jean Philipe Rameau (El más importante de los compositores del barroco francés, murió en una fecha tan tardía como 1763. Escribió un gran número de ópera y trabajó para Luis XV destacamos entre sus óperas: Castor y Polus, Las Indias galantes, La boreadas. En todas ellas el ballet tiene un papel muy destacado. En todas ellas, el ballet tiene un papel muy destacado. Este también ha pasado a la historia por escribir en 1723 por escribir un tratado de armonía.

Respecto al ballet de court y a la comedie ballet; el primero tiene sus antecedentes en los bailes del renacimiento en canciones que se bailaban y que estaban emparentadas con la antigua Chanson. Los temas eran mitológicos al igual que en las óperas o en las tragedias líricas. Aunque eran mucho más interesantes las coreografías que la imitación en sí a las chansones.
La comeide ballet hace referencia a un espectáculo en el que sobre una comedia de teatro se introduce el ballet. Hubo dos artistas barrocos, el primero Moilere y el segundo Lully, que ambos trabajaron inventando el género de la Comedia con  baile-esto es una obra de teatro cómica en la que se introducían ballets en el desarrollo de la historia-. Entre estas comedias destacamos dos: El enfermo imaginario y el burgués gentilhombre.

 Ya en el siglo XVIII aparece otra nueva modalidad, que es la llamada ópera-ballet-esto es una ópera en la casi todo el tiempo se baila, el autor más importante fue André Campra; con operas ballet tan importantes como “la Europa galante”(Bailes típicos de distintos sitios de Europa).




INSTRUMENTOS Y FORMALES INSTRUMENTALES: FORMAS VOCALES, RELIGIOSAS Y PROFANAS.

GENERALIDADES
Según el Musicólogo Manfred Bukofrer, en su libro de 1947 la música en la era del Barroco.   A principios del S XVII habían dos prácticas musicales:
1.       Stilo antiquo
2.       Stilo nuovo
Los tres estilos eran:
1.       Teatralis (Música de teatro)
2.       Eclesiástica (Música de iglesia)
3.       Instrumentalis (Música instrumental)

TEATRALIS

Se incluye en este estilo toda la música vocal profana (el género más importante la ópera).
La música Barroca empezó realmente hacia 1580 en Florencia de una forma teórica, ciudad en la que un grupo de pensadores y diletantes a la música se reunían en una sociedad privada llamada “Camerata Florentina”-en el palacio del Conde Bardi-.
Para ello propusieron una música basada en una melodía acompañada (monodia + bajo continuo) que debía seguir al pie de la letra las inflexiones y entonaciones naturales de la voz hablada-de acuerdo con Platón-.

Al igual que se hacía en Grecia, esta monodia se acompañaba de instrumentos polifónicos (como el citarrone).
Entre los pensadores más destacados citamos a Vicenzo Galilei.

Nace así una nueva música que rechaza frontalmente la polifonía franco-flamenca.
La mayor parte de los temas tratados en estas obras eran mitológicos (Eurídice) y describían pasiones amorosas que acababan trágicamente.
Los compositores más destacados fueron Jacobo Peri y Giulio Cazzini, sin embargo, el más conocido es Claudio Monteverdi-que utiliza la melodía acompañada en su 7º y 8º libro de madrigales-(ver comentario del lamento de la ninfa).

Hacia 1650 aparece una nueva forma musical en Roma que toma el relevo al madrigal y que se llamaba Cantanta de Camera (Catanta de cámara). Se escribía para voz solista + bajo continuo, aunque pronto se solía incluir también un par de violines que acompañaban la voz; tenían tres o cuatro movimientos: Empezaba con un recitativo, seguía un arioso y terminaba con un aria da capo ( ABA)-ver Passacaglia della vita y Lágrime mie-
A finales del S.XVII se cultiva profusamente en Nápoles, destacando el compositor Alejandro Scarlatti.
 Cuando el compositor alemán Handel marcha a estudiar a Italia a principios del S.XVIII se empapa tanto de la cantata como de la ópera, de hecho, todas sus óperas (Julio César) y cantatas están escritas en estilo italiano.

En Francia a imitación de la cantata se cultivó el Air de Court, destacando el compositor Gauttier. En Inglaterra se llamaba Ayr o Song (Henry Purcell). En Alemania se llamaba Lied- destacando las escritas por Rosen Müller, Henrich Shcütz; en España recibe el nombre de “tono humano”-Siendo importantes Juan Hidalgo o Sebastían Durón-.

MÚSICA ECLESIÁSTICA

El móvil de la música religiosa sigue siendo la religión y distinguimos entre música religiosa católica (se sigue escribiendo en latín) y nunca religiosa protestante (especialmente la de Inglaterra y Alemania).

Sin embargo empieza en Italia. La ciudad por excelencia de la música barroca religiosa es Roma, allí se empiezan a componer las primeras monodias religiosas con texto en latín-como “O quamtu pulchra est”, de Alejandro Grandi.  Aunque la forma más interesante es el oratorio-ópera de temática religiosa- representado en la cuaresma. Giacomo Carissimi es el más importante de este género, que compuso “la representazione di anima e di corpo”. Sin embargo el compositor más importante fue Stefano Landi que en 1627 compone el oratorio “San Alesio”, a partir de un libreto de Giulio Rospigliosi (Clemente IX)-ambos trabajaban para la familia Barberinni-.

Las otras formas musicales son: la misa, el motete y las vísperas.
Casi todos los compositores que trabajaban para la Iglesia escribieron misas, por lo que no hay ninguna especial que destaque, excepto la misa compuesta por el austríaco “Franz  Ignar Von biber” llamada “La misa de Salzburgo” (Para 48 voces y dos orquestas). Salzburgo era un importante enclave católico gobernada por un Arzobispo.

Respecto al motete destacamos algunos tan célebres como el “miserere” de Allegri, compuesto para los oficios de tinieblas del Jueves Santo.
El motete se cultivó por casi todos los compositores.
Respecto a las vísperas las más importantes fueron las compuestas por Monteverdi para la basílica San Marcos de Venecia, así por ejemplo destacamos las “Vísperas de la Beata Virgen” de 1608.

Respecto a la música religiosa protestante destacan dos zonas: Inglaterra y Alemania.

Inglaterra,  de religión anglicana escribía sus obras en inglés, los motetes recibían el nombre de “Anthem”, los más famosos son los compuestos por Purcell. Destacamos por ejemplo la oda fúnebre a la muerte de la reina Mery-marcha fúnebre increíble-. Durante el S.XVIII llega el oratorio a Inglaterra de manos de Handel, que compone un gran número de ellos –El mesías, Salomón, Sansón…- ambientados en el antiguo testamento (evidentemente estaban escritos en Inglés).

Respecto a Alemania, la zona geográfica más importante, el Nte era protestante (luterano) y se cultivaron profusamente tres formas de música religiosa: La primera y la más importante y más antigua es “LA PASIÓN”, que aparece hacia mitad del S.XVII y narra la pasión de Cristo, encontrándose sus frutos mas excepcionales en hacia 1620 de la mano de J.S Bach; este compuso 4 y destacamos “La pasión según San Mateo”.
Las pasiones combinaban recitativos, arias para solista con instrumento y sobre todo incluía corales luteranas y coros. Así por ejemplo la “pasión según San Mateo” está compuesta para dos orquestas y tres coros.
La segunda forma religiosa es, por orden, LA CANTATA, que a diferencia que en Italia en Alemania se vuelve religiosa, y se solían ejecutar los domingos en mitad del sermón del pastor. Bach compuso cerca de 230 cantatas religiosas, de las que se han conservado las tres cuartas partes (3/4), comenzaban con una introducción instrumental, a la que seguía un número coral (coro + orquesta). Después, los solistas cantaban arias da capo con uno o dos instrumentos concertados (E.d Soprano con violines + bajo continuo) y terminaba cantando todos un coral luterano (domingo correspondiente).
Una de las cantatas más famosas, es “Jesús amigo de los hombres” WW 1147.  Bach aprendió a componer cantatas de Buxtehude.
Respecto al oratorio (tercera forma)  en Alemania cogía la forma de Gran Cantata  y se solía escribir para Navidad siendo el más famoso el “oratorio de Navidad” de Bach.
Casi todos los músicos alemanes del ámbito luterano escribieron música religiosa, a parte de los ya citados, destacan otros como Telemann o Schütz.

MÚSICA INSTRUMENTAL E INSTRUMENTOS

Por primera vez en la historia durante este periodo la música instrumental tiene más peso que la vocal; eso ocurrirá a principios del S.XVIII.
Durante el Barroco tenemos tres etapas cronológicamente hablando:

1º Etapa 1630; el país más importante de esta etapa es Italia y todavía la música vocal preponderaba sobre la instrumental. Había cuatro modelos de composición instrumental:
·         La primera consistía en imitar las piezas vocales, la forma más importante era la “Canzona”: Composición instrumental polifónica, normalmente contrapuntística; bien a cuatro voces o bien a dos o más coros (cada uno a cuatro voces). Claudio Medulo, alumno de G. Gabrieli.
·         La segunda; son obras multi seccionales, o con muchas secciones que contrastan unas con otras (normalmente a secciones lentas les suceden secciones rápidas, pulsos binarios con pulsos ternarios), la forma más representativa era la sonata: Forma de varias secciones contrastantes; el instrumento más importante era el violín y la textura era melodía + bajo continuo. Entre los compositores destacan Viagio Marini y Darío Castello.
·         El tercer modelo es la música de danza; idénticas a las formas de danza del Renacimiento, solían tener estructura binaria AB y las danzas se agrupaban en suites.
·         Música de carácter improvisatorio y variaciones musicales. Entendemos por improvisación la invención de música sobre la marcha, a partir de una melodía conocida, a partir de un modelo melódico inventado por el compositor, a partir de un bajo ostinato o a partir de una secuencia de acordes enlazados. En las formas destacamos la Tocada-la invención del preludio y el tema y variaciones. Entre los bajos ostinatos más importantes destacamos el “bajo de chacona”, la pasacaglia y sobre todo la folía. Entre los compositores destacamos Frescovaldi (1583-1643) y Tarquinio Medula.

2ª etapa, es el momento en el que realmente el Barroco se expande de Italia al resto de Europa. La música instrumental tiene ya tanta importancia como la vocal. Entre los países de este periodo, en primer lugar citamos a Italia: En esta zona geográfica el violín se convierte en el instrumento por excelencia de la música Barroca. Gracias a los lutieres-fabricantes de instrumentos de cuerda-que sobre todo residían en la zona de Cremona-. Entre esto destacamos a Stradivadius y Amati.
 Entre las formas musicales destacamos las piezas multipartitas, es decir obras  divididas en movimientos independientes entre estas destacamos:
La sonata da camera, que tiene cuatro movimientos: Allemanda, Corrente, Zarabanda y Giga. Y la sonata de Iglesia, de cuatro movimientos: 1º Largo, 2º Fuga, 3º Largo, 4º Allegro. Entre los compositores destacamos los de la escuela de Bolonia, ciudad en la que destaca la trompeta como instrumento más importante, siendo el compositor más importante Torelli. En Venecia destacó las sonatas de cámara para el violín, siendo el más conocido Legrenzi.
El segundo país en importancia es Francia, que en el siglo XVII  vive su siglo dorado (guerras a España), época de los reyes Luis XIII y sobre todo Luix XIV (Rey Sol). La música instrumental en Francia se caracteriza por la pomposidad a la par que la intimidad y la nota común en ambas es el buen gusto.
Francia crea sus propias formas instrumentales, como la suite de danzas que en Francia sí que se bailaban y muchas veces se extraían de las óperas y tragedias líricas. Igualmente se cultiva mucho la música de cámara y las piezas para solistas . Los instrumentos solistas por excelencia eran la viola da gamba (septicorda) y el clavicémbalo. Y entre los compositores destacamos a Marin Marais y a François Couperin, el violín se introdujo en la música de cámara francesa a final de este periodo.
En Alemania la actividad musical se había reducido al mínimo debido a la guerra de los treinta años, solo después de 1650 vuelve a cultivarse con impulso la música instrumental. En el ámbito protestante el instrumento por excelencia era el ÓRGANO que se empleaba en la liturgia luterana, allí se cultivaban mucho los preludios corales (improvisaciones a partir de los corales de los domingos o canciones conocidas). En esta zona de Alemania, se continúa componiendo según la técnica de la textura polifónica contrapuntística de los maestros francoflamencos del Renacimiento, y es en este ámbito donde aparece la fuga. Entre los compositores más importantes destacamos a dos: Buxtehude y Pachelbell.
La zona sur de Alemania era católica y por tanto imita la música italiana (sonatas, conciertos, música para violín), siendo el músico más importante Biber (violinista).

3º Barroco (1680-1730), es la época en la que la música instrumental toma, al fin, más importancia que la vocal, y es también en este periodo donde se dan los compositores más famosos (Vivaldi, Bach, Handel). Desde el punto de vista de las formas musicales: se consolidan las del segundo Barroco y sobre todo aparece el concerto. Desde el punto de vista de la armonía se escribe música en todas las tonalidades (24) ya que se aplica el sistema de afinación temperado (aquel que permite tocar en las 24 tonalidades). En este momento aparecen los primeros directores de orquesta, normalmente violinistas o clavecinistas.
Al violinista principal se le llamaba concertino.
En Italia destacan dos ciudades:
·         Bolonia: Aquí se desarrolla el concertó Grosso, para orquesta de cuerda; violines primeros y segundos, violas, violoncellos, contrabajos y clave; que conciste en una obra de cuatro movimientos (lento, rápido, lento rápido) en la que un pequeño grupo de instrumentos de la orquesta-normalmente dos violines y un cello-tocaban pasajes solistas que se interpolaban entre el tutti. El músico más famoso de esta escuela fue Arcangello Corelli (compuso doce conciertos grossos, publicados en 1707- pasó gran parte de su vida en Roma).
·         Venecia en esta ciudad aparece el concierto con solista; tiene tres movimientos (Rápido, largo, rápido) y el esquema formal es el siguiente:
1º y 3º movimiento:  Tutti (A r, Br, Cr, DR) (Solo) (Ritornello tutti) solo (R.t)
2º movimiento:  :A:I :B: . Entre los compositores venecianos más importantes destacamos a los hermanos Marcelo, a Albinoni y sobre todo Antonio Vivaldi-escribió más de 500 concertos algunos de ellos para dos o más solistas, el instrumento para el que más escribió fue el violín ya que el era violinista-. Otros conciertos los escribió para la orquesta de chicas del orfanato de la piedad. Entre las obras de Vivaldi destacamos la más famosa entre los doce conciertos Opus 8-donde está compiladas las 4 estaciones-
En Francia coincide con el rococó o estilo Luis XV, se caracteriza por su gran ornamentación y adornos que casi ahogaban las melodías. Se sigue componiendo para la viola da gamba de cuatro cuerdas destacándose a compositores como Philidor, Forquerai, Mari Mare. Sin embargo el instrumento solista más importante fue el clave, destacando a François Couperin y a Jean Philippe Rameau. Estos escribían numerosas colecciones que recibían el nombre de Ordres  y cada uno de los movimientos o piezas de las ordres tenían un título dedicado a una mujer (la reveuse, l’arabesque); estas piezas eran bastante amaneradas; tanto o más como los trajes, pelucas y miriñaques de las personas que las tocaban y las escuchaban.
Respecto ene l concierto en Francia no se utilizó demasiado, más bien en la suite y en la sonata.

En Alemania brillan 3 compositores: J.S. Bach (1685-1750) J.F Handel (1685-1759) y J.F Telemann(1681-1767). Los tres vivieron en el ámbito protestante y salvo Bach, que no escribió operas, cultivaron todas las formas vocales e instrumentales de su tiempo.
·         Johan Sebastian Bach. Es uno de los compositores más grandes de la historia. Violinista, organista y clavecinista consumado, escribió básicamente para estos instrumentos.
Respecto al órgano  siguió la tradición del órgano luterano de Buxtehude, por este motivo escribió gran número de tocatas y fugas, preludios corales, fantasías corales…
Respecto al clave escribió música en los estilos franceses-suites francesas-en estilo italiano-concerto- o en estilo Alemán-partitas- destacándose especialmente  los volúmenes de “El clave bien temperado”, u otras como “fantasía y fuga cromática”, invenciones a dos o tres voces o el “klavier übungen”-estudiantes- también compuso trece conciertos para clave y orquesta siendo el más famoso el de cuatro claves y orquesta.
Respecto al violín lo trató tanto de forma solista como de instrumento de cámara como instrumento de orquesta. Entre las piezas para violín solista destacamos las tres sonatas y tres partitas para violín. En las orquestas de cámara destacamos nueve sonatas par violín y bajo continuo, 5 sonatas para flautas y bajo continuo, 3 sonatas para viola da gamba y bajo continuo , 6 suites para violonchelo solo, una suite para flauta travesera sola.
Respecto a la música orquestal  Bach escribió tres conciertos para violín y orquesta-uno de ellos para dos violines-así como cuatro suites orquestales con movimientos de danza precedidas por una obertura y los llamados “seis conciertos de Brandemburgo”, que en realidad son conciertos grossos con varios solistas de orquesta .

Handel a diferencia de Bach viajó por toda Eurpa, formándose en Itala y pasando la mayor parte de su vida en Londres. Durante su etapa de formación en Roma escribió, básicamente,  para violín y bajo continuo aunque también utilizo el oboe, flauta y bajo continuo; componiendo algunas trío sonatas (violín, flauta y bajo continuo). Conoció a Corelli y a imitación de este compuso 12 conciertos grossos (Opus 3) para orquesta de cuerda. Años más tarde escribiría otra colección de conciertos grosos (Opus 6-oboes-). Handel era básicamente organista, razón por la cual escribió música solista para este instrumento y 16 conciertos para órgano y orquesta de influencia alemana. Así mismo escribió obras para clave, destacando la colección “el herrero armonioso”. Por último debemos destacar sus suites orquestales de música de danza como las tres suites de la música de la danza o la suite de los reales fuegos artificiales.

Telemann, uno de los compositores más prolíficos de la historia, escribiendo 4500 obras, incluyendo 50 óperas. Se hizo rico vendiendo sus obras en formas de fascículos. Junto a Handel fue el músico más conocido de todo el  Barroco y escribió para todos los instrumentos y formas instrumentales conocidas, así como en todos los estilos. Destacamos Doce fantasías para violín solo, sonatas metódicas (instrumento solista+B.C o trío sonata). Otras composiciones para flauta, violín, viola da gamba y clave…
Entre la música para orquesta destacamos una gran cantidad de suites como por ejemplo Don Quijote o la música acuática para el Almirantazgo de Hamburgo. Conciertos para diversos instrumentos… flauta travesera.

La música de Bach se clasifica con tres letras BWV 1006, Bach Werke Verzagnis, es la obra del catálogo de Bach 1006.




BIOGRAFÍA J.S BACH

El primer gran compositor moderno
Se eligió a Bach para representar a la humanidad en el Voyager 1.
Sin Bach no habría habido la misma historia, ni Mozart, betthoven, romanticos. Bach como inspiración.
Se lamenta su pérdida más como pianista que como compositor, y no es hasta un siglo después cuando se le reconoce como compositor.
El objetivo último de la música, para Bach, debía de ser el amor a Dios y recreación del espíritu. Se considera su música como la culminación de la época Barroca y el inicio de la edad moderna.
Articular el espíritu de la modernidad. Nosotros modernos. Al padre de la cultura espiritual.

Una familia musical
Nació en Turingia, en centro de Alemania en 1685, un territorio de ducados y ciudades libres, poco coesinados. Casi todos los gobernantes contaban con sus compositores privados, por lo que cosmopolitismo de los compositores.
El padre de Bach era violinista y trompetista trabajador de una corte Local y sus hermanos en otras cortes. Los encuentros familiares que se daban en la iglesia de San Jorge le dio una gran capacidad. Su familia era una de las más importantes de los siglos 16 y 17 músicos.

La tradición Luterana
En la tradición luterana, la música es importantísima para su culto. Un elemento esencial.
Recibió influencia de Lutero, Bach anotaba en la biblia luterana.
En el mundo luterano no existen las liturgias ni los sacramentos, por lo que la unión con dios se hace mediante la palabra directa-sin sacerdotes-por esa razón, una forma de darle sentido transcendente a la palabra de dios es a través de la música. Solo compuso una pieza cantada, el credo.
Tras la muerte de sus padres cuando tenía 10 años, se sintió abandonado y maduró su actitud personal y musical. Lo que haría era en la música sería crear un mundo mejor y suyo.

Arnstad
Fue acogido en la casa de su hermano mayor, un organista, que le dio sus primeras lecciones. Recibió una beca para estudiar música y a los 18 años consiguió su primer empleo en Arnstad como organista. Era un joven rebostante de ideas musicales y con na tremenda técnica, por lo que los himnos le resultaban aburridos y los ornamentaba con un peculiar paso diferente entre los acordes, con escalas rapidísimas (improvisaba variaciones). Con 20 años marcha a estudiar con Buxtehude para perfeccionar su técnica en los teclados, con un permiso para tres semanas, aunque él se quedó cuatro meses.

Primer matrimonio
Los gobernantes se quejaban de una misteriosa dama que invitaba y de una pelea con un fagotista.  Bach y su prima María Bárbara empiezan a vivir juntos en Mulhausen-compone sus primeras cantatas(Auf der tiefe y Actus Tragicus) Le costaba por la poca representación y problemas con el pastor. Se marchó a ser compositor de cámara para el Duque de Weimar.

La influencia de Vivaldi
A través de la corte entró en contacto con mucha música diferente. El hijo del duque le llevó unas composiciones, traídas de Amsterdam, pertenecientes a Antonio Vivaldi que terminaron por realizar el estilo de Bach.
El comienzo dramático, lo perfecionó y lo caracterizó manteniéndolo a lo largo de la pieza. Florituras dramáticas son de influencia italiana.

Contrapunto
El mejor de occidente. Compositor contrapuntístico. Hilos diferentes armoniosos. Armonías  y acordes muy importantes. En la corte de Weimar compuso fugas, cantas y danzas. Tanto como para nobles como para eclesiástica. No separación, ceremonial (danza). Uso de Re M y tromepeta. Sacra o Secular. Cuando lo rechazan como director musical de Weimar se enfada tanto con el duque que lo meten un mes a la cárcel.
El clave bien temperado
En Köten compone el clave bien temporado para jóvenes deseosos de aprender. 3 y 5 y a partir de bach con 8 afinación. Novedad de las tonalidades, compromiso. Los bajos en bach son “singin bass” siempre continúan. Todos los grandes compositores aprendieron tocando Bach en el piano (Chopin, Bethooven, Mozart, Schuman). Limpiarse a fondo.

Anna Magdalena
Su esposa muere enferma mientras él está de viaje con el  príncipe Leopold.  Se casa con la hija de un músico, que probablemente le aconsejase, por lo que influye en la abstracta música de Bach.  
Sus manuscritos, ondulaciones.
Bach busca otro trabajo.

Leipzig
Lo encontró en esa ciudad, con 28 años es nombrado maestro de capilla y pasó allí el resto de su vida. Semana de trabajo de cantatas. Enfrentamientos y discusiones, asalario, invierno en la que moróa poca gente, cantates. Universidad, Escuela, Eclesiasticos, Rey de Sajonia. Se hace director de la música religiosa de toda la ciudad (universidad e iglesias).

La pasión según San Mateo
Obra más importante de Bach-compendio de todo lo que sabía hacer-. Comparación con la de Handel, simple pero muy dramática. Similar en ritmo pero en sonido es mucho más rica. The others voices. Soprano ni tenor. No tiene paralelo.  Un maestro de la música capaz de articular sus sentimientos en momentos de patetismo. Barme Dieg intensidad dramática.

La misa en si m
Compuesta en el grueso de su carrera musical, y se publicó póstumamente. Abarca una gran variedad de estilos. Géneros (dramática, militar con danza de tres cuartos típcica del rey sol) el servicio de Dios a alabanza. Las trmpentas parecen llegar a lo celestial.
 La fuga
En 1749… comienza a componer las fugas, había caído enfermo pero sigue  trabajando. No las llega a completar. Era un compendio de lo que él sabía a l igual que  san maeto. Falleció antes de terimnar su fuga final, 14, y la dejo incompleta, obra de arte incompleta, con un final abrupto. 28 julio 1750. 65 años sin testemento y herencia de 1000 músicas,. Bethoven dios Wagner milagro.

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