EL BARROCO
Es una de las épocas más importantes de la
historia de la cultura y el arte, ya que es uno de los periodos más
interesantes y ricos musicalmente hablando por la gran cantidad de
compositores, formas, estilos y técnicas que aparecen. Cronológicamente hace
referencia al siglo XVII y XVIII. Barroco significa en portugués “perla
irregular” y no fue utilizada esta expresión hasta bien entrado el siglo 20.
EVOLUCIÓN
DEL LENGUAJE EXPRESIVO
El barroco buscaba sobre todo la dramatización
afectiva, o exagerada de afectos y sentimientos. En el Renacimiento se
expresaban de una forma amable,
equilibrada, elegante…. Y en el Barroco, en cambio, se da rienda suelta a las
pasiones del alma y del cuerpo (pathos).
Según el doctor Emilio Casares-musicología UCM-
esta intensificación o dramatización de
los afectos o sentimientos se consigue a través de tres principios:
·
1º. Intensificación emocional: Los sentimientos se expresan de forma muy
vivida, muy teatral, casi con violencia.
·
2º. Búsqueda del contraste: Se hace a través de contraponer movimientos
rápidos con otros lentos, instrumentos graves y agudos, sonidos pianos y
sonidos fuertes.
·
3ºBúsqueda del movimiento: Por eso utiliza ritmos mecánicos que empujan la música hacia delante,
decora la melodía con muchos ornamentos, le gusta utilizar pasajes muy
virtuosísticos.
Sin embargo para los teóricos de la época-
Mersenne, Kircher, Descartes- la música era capaz de modificar los afectos
humanos al ser oídos. Como consecuencia otro teórico llamado Matheson escribió
una teoría de los afectos para la cual existía una fórmula rítmicomelódica para
cada uno. Esta fórmula se nombraba con nombres tomados de la retórica, esta es
la razón por la que la música se considera tan retórica-ya que existían hasta
107 fórmulas que todo compositor debía conocer para escribir música-. Por este
motivo las obras de los compositores
están llenas de simbolismos que no llegamos a entender en su totalidad.
Más interesante para nosotros son las novedades
musicales respecto al renacimiento, que son las siguientes:
·
Aparición del
bajo continuo, que es una melodía grave escrita en clave de fa y que actúa como
el soporte armónico de la pieza, con forme avanza el trabajo se hace más
saltarín (más rítmico).
·
Aparece el
“concertato” (principio concertante), según el cual sobre el bajo continuo se
escribe o compone una melodía principal aguda. En los orígenes del Barroco se
denominaba a esta nueva técnica de composición la monodia acompañada.
·
La tonalidad
Mayor y Menor, los doce tonos del renacimiento se reducen a dos modos: modo
mayor y menor.
·
Cambio en la
escritura musical: aparecen las líneas divisorias, la armadura y las cabezas de
las figuras se redondean, y los compases se empiezan a escribir con números.
Por último recordemos que durante esta época la
música Barroca se llamaba “segunda práctica” o “música nueva” y la del
Renacimiento se llamaba “primera práctica” o “stilo antiquo”.
EL
NACIMIENTO DE LA ÓPERA
Una de las
grandes aportaciones del Barroco a la historia de la música fue la ópera. Surge
en ambiente cortesanos muy refinados y estaba escrita para pocas personas, que
normalmente solían ser las clases dirigentes (ópera áulica). La temática de estas
obras estaba tomada de la mitología griega y en realidad lo que intentaban
estas primeras obras era resucitar las tragedias clásicas griegas, por esta
razón tenían títulos como Dafne, Eurídice, Orfeo… el nombre original era
“Fabola in Musica”/”Drama in Musica” y todas acababan trágicamente (fatum).
Sin embargo
hacia 1650 y por la presión del público se empezó a desvirtuar el final trágico
terminando estas con un final feliz.
Una de las primeras obras es L’Orfeo – Claudio
Monteverdi, compuesta en 1607 para la familia de los Gonzaba-duques de Mantua-.
Cuenta la historia de Orfeo y Eurídice en 5 actos.
Como vemos la ópera se inventó en Italia (Firenza
y Mantua) pero a mitad del siglo XVII había dos ciudades en las que la ópera se
convirtió en un espectáculo muy importante, y se representaba todo el año salvo
en cuaresma y adviento. Estas dos
ciudades fueron Roma y Venecia.
La primera, era la capital de los estados
pontificios gobernada por el Papa. La temática de estas óperas era religiosa;
como por ejemplo la ópera de Stefano Landi llamada Sant Alessi.
Venecia que era una república riquísima gracias al
comercio con oriente. Se creó el primer teatro público en el que previo pago de
entrada se asistía al espectáculo. En Venecia trabajó Monteverdi y compuso
varias óperas de las que se han conservado tres. La más importante es la colonización de Copea. Otro autor
importante era Cabali, autor de la ópera Jason.
Nápoles tomó el relevo- que en aquella época
pertenecía al imperio español- literalmente se volvió loca por la ópera y se
convirtió en el espectáculo por excelencia, allí se inventa el aria da capo
ABA, Así como la sinfonía avanti la ópera, que es una especia de obertura
principal. El más importante fue Alejandro Scarlatti.
Ya a principios del siglo XVII aparece la llamada
ópera bufa, en la que los argumentos no eran ni históricos ni mitológicos, sino
más bien de la vida cotidiana. Entre estas destacamos la serva padrona de Pergolesi.
La ópera empezó a extenderse fuera de Italia en la
segunda mitad del siglo XVII, así por ejemplo la primera ópera alemana
conservada es de 1647 Dafne de Henrich Schütz.
Los centros operísticos más importantes de Alemania
fueron Hamburgo, Hannover y Dresde.
Otro centro operístico importante fue Inglaterra,
allí se combinaba el baile con la ópera. Al principio este espectáculo se
conocía como Mascaradas, sin embargo el músico más importante Inglés es Henry
Purcell-Dido y Eneas- También escribió música instrumental para obras de
teatro-The Fairy queen- Comedia atribuida a Shakespeare. Por último la ópera se
introdujo en España hacia 1650 se ampliará en el apartado de la música española barroca.
LA
ÓPERA EN FRANCIA: Ballet de court, tragedia lírica y comedíe
Ballet.
Uno de los músicos italianos emigrados en Francia fue Jean Baptiste Lully (1682-1687),
violinista de la corte del Rey Sol y gran intrigante, consiguió los favores del
rey para el cual ideó una ópera francesa nacional con unas características
propias:
1.
Obertura francesa. Con dos secciones, la primera muy solemne con ritmos con puntillos y la
segunda es un fugato.
2.
Prólogo de alabanza al Rey.
3.
Recitativos adaptados al francés.
4.
Arias con estribillo
5.
Aparición de coros
6.
Música de ballet, danzas, danzas cantadas.
En Francia la ópera recibía el nombre de “Tragedie
Lyrique”, la primera fue “Cadmus et Hermione” escrita en 1673 con
libreto(libretistas, para compositores) de Quinault. Autores de una generación
posterior tomaron el relevo a Lully, el cual murió clavándose el bastón de
director-en un pie- mientras se dirigía la ópera.
Entre los compositores destacamos a dos:
-Marin Marais
-Jean Philipe Rameau (El más importante de los compositores
del barroco francés, murió en una fecha tan tardía como 1763. Escribió un gran
número de ópera y trabajó para Luis XV destacamos entre sus óperas: Castor y Polus, Las Indias galantes, La
boreadas. En todas ellas el ballet tiene un papel muy destacado. En todas
ellas, el ballet tiene un papel muy destacado. Este también ha pasado a la
historia por escribir en 1723 por escribir un tratado de armonía.
Respecto al ballet de court y a la comedie ballet;
el primero tiene sus antecedentes en los bailes del renacimiento en canciones
que se bailaban y que estaban emparentadas con la antigua Chanson. Los temas
eran mitológicos al igual que en las óperas o en las tragedias líricas. Aunque
eran mucho más interesantes las coreografías que la imitación en sí a las
chansones.
La comeide ballet hace referencia a un espectáculo
en el que sobre una comedia de teatro se introduce el ballet. Hubo dos artistas
barrocos, el primero Moilere y el segundo Lully, que ambos trabajaron
inventando el género de la Comedia con
baile-esto es una obra de teatro cómica en la que se introducían ballets
en el desarrollo de la historia-. Entre estas comedias destacamos dos: El
enfermo imaginario y el burgués gentilhombre.
Ya en el
siglo XVIII aparece otra nueva modalidad, que es la llamada ópera-ballet-esto
es una ópera en la casi todo el tiempo se baila, el autor más importante fue
André Campra; con operas ballet tan importantes como “la Europa galante”(Bailes típicos de distintos sitios de Europa).
INSTRUMENTOS
Y FORMALES INSTRUMENTALES: FORMAS VOCALES, RELIGIOSAS Y PROFANAS.
GENERALIDADES
Según el Musicólogo Manfred
Bukofrer, en su libro de 1947 la música en la era del Barroco. A principios del S XVII habían dos prácticas
musicales:
1.
Stilo antiquo
2.
Stilo nuovo
Los tres estilos eran:
1.
Teatralis
(Música de teatro)
2.
Eclesiástica
(Música de iglesia)
3.
Instrumentalis
(Música instrumental)
TEATRALIS
Se incluye en este estilo toda la
música vocal profana (el género más importante la ópera).
La música Barroca empezó realmente
hacia 1580 en Florencia de una forma teórica, ciudad en la que un grupo de
pensadores y diletantes a la música se reunían en una sociedad privada llamada
“Camerata Florentina”-en el palacio del Conde Bardi-.
Para ello propusieron una música
basada en una melodía acompañada (monodia + bajo continuo) que debía seguir al
pie de la letra las inflexiones y entonaciones naturales de la voz hablada-de
acuerdo con Platón-.
Al igual que se hacía en Grecia,
esta monodia se acompañaba de instrumentos polifónicos (como el citarrone).
Entre los pensadores más destacados
citamos a Vicenzo Galilei.
Nace así una nueva música que
rechaza frontalmente la polifonía franco-flamenca.
La mayor parte de los temas
tratados en estas obras eran mitológicos (Eurídice) y describían pasiones
amorosas que acababan trágicamente.
Los compositores más destacados
fueron Jacobo Peri y Giulio Cazzini, sin embargo, el más conocido es Claudio
Monteverdi-que utiliza la melodía acompañada en su 7º y 8º libro de
madrigales-(ver comentario del lamento de la ninfa).
Hacia 1650 aparece una nueva forma musical en Roma que toma el relevo al
madrigal y que se llamaba Cantanta de Camera (Catanta de cámara). Se escribía
para voz solista + bajo continuo, aunque pronto se solía incluir también un par
de violines que acompañaban la voz; tenían tres o cuatro movimientos: Empezaba
con un recitativo, seguía un arioso y terminaba con un aria da capo ( ABA)-ver
Passacaglia della vita y Lágrime mie-
A finales del S.XVII se cultiva
profusamente en Nápoles, destacando el compositor Alejandro Scarlatti.
Cuando el compositor alemán Handel marcha a
estudiar a Italia a principios del S.XVIII se empapa tanto de la cantata como
de la ópera, de hecho, todas sus óperas (Julio César) y cantatas están escritas
en estilo italiano.
En Francia a imitación de la cantata
se cultivó el Air de Court, destacando el compositor Gauttier. En Inglaterra se
llamaba Ayr o Song (Henry Purcell). En Alemania se llamaba Lied- destacando las
escritas por Rosen Müller, Henrich Shcütz; en España recibe el nombre de “tono
humano”-Siendo importantes Juan Hidalgo o Sebastían Durón-.
MÚSICA ECLESIÁSTICA
El móvil de la música religiosa sigue siendo la
religión y distinguimos entre música religiosa católica (se sigue escribiendo
en latín) y nunca religiosa protestante (especialmente la de Inglaterra y
Alemania).
Sin embargo empieza en Italia. La
ciudad por excelencia de la música barroca religiosa es Roma, allí se empiezan
a componer las primeras monodias religiosas con texto en latín-como “O quamtu
pulchra est”, de Alejandro Grandi.
Aunque la forma más interesante es el oratorio-ópera de temática
religiosa- representado en la cuaresma. Giacomo Carissimi es el más importante
de este género, que compuso “la representazione di anima e di corpo”. Sin
embargo el compositor más importante fue Stefano Landi que en 1627 compone el
oratorio “San Alesio”, a partir de un libreto de Giulio Rospigliosi (Clemente
IX)-ambos trabajaban para la familia Barberinni-.
Las otras formas musicales son: la
misa, el motete y las vísperas.
Casi todos los compositores que
trabajaban para la Iglesia escribieron misas, por lo que no hay ninguna
especial que destaque, excepto la misa compuesta por el austríaco “Franz Ignar Von biber” llamada “La misa de
Salzburgo” (Para 48 voces y dos orquestas). Salzburgo era un importante enclave
católico gobernada por un Arzobispo.
Respecto al motete destacamos
algunos tan célebres como el “miserere” de Allegri, compuesto para los oficios
de tinieblas del Jueves Santo.
El motete se cultivó por casi
todos los compositores.
Respecto a las vísperas las más
importantes fueron las compuestas por Monteverdi para la basílica San Marcos de
Venecia, así por ejemplo destacamos las “Vísperas de la Beata Virgen” de 1608.
Respecto a la música religiosa protestante destacan dos zonas: Inglaterra y
Alemania.
Inglaterra, de religión anglicana escribía sus obras en
inglés, los motetes recibían el nombre de “Anthem”, los más famosos son los
compuestos por Purcell. Destacamos por ejemplo la oda fúnebre a la muerte de la
reina Mery-marcha fúnebre increíble-. Durante el S.XVIII llega el oratorio a
Inglaterra de manos de Handel, que compone un gran número de ellos –El mesías,
Salomón, Sansón…- ambientados en el antiguo testamento (evidentemente estaban
escritos en Inglés).
Respecto a Alemania, la zona geográfica más importante, el Nte era protestante
(luterano) y se cultivaron profusamente tres formas de música religiosa: La
primera y la más importante y más antigua es “LA PASIÓN”, que aparece hacia mitad del S.XVII y narra la pasión de
Cristo, encontrándose sus frutos mas excepcionales en hacia 1620 de la mano de
J.S Bach; este compuso 4 y destacamos “La pasión según San Mateo”.
Las pasiones combinaban
recitativos, arias para solista con instrumento y sobre todo incluía corales
luteranas y coros. Así por ejemplo la “pasión según San Mateo” está compuesta
para dos orquestas y tres coros.
La segunda forma religiosa es, por
orden, LA CANTATA, que a diferencia
que en Italia en Alemania se vuelve religiosa, y se solían ejecutar los
domingos en mitad del sermón del pastor. Bach compuso cerca de 230 cantatas
religiosas, de las que se han conservado las tres cuartas partes (3/4),
comenzaban con una introducción instrumental, a la que seguía un número coral
(coro + orquesta). Después, los solistas cantaban arias da capo con uno o dos
instrumentos concertados (E.d Soprano con violines + bajo continuo) y terminaba
cantando todos un coral luterano (domingo correspondiente).
Una de las cantatas más famosas,
es “Jesús amigo de los hombres” WW 1147.
Bach aprendió a componer cantatas de Buxtehude.
Respecto al oratorio (tercera forma) en Alemania cogía la forma de Gran Cantata y se solía escribir para Navidad siendo el más
famoso el “oratorio de Navidad” de Bach.
Casi todos los músicos alemanes
del ámbito luterano escribieron música religiosa, a parte de los ya citados,
destacan otros como Telemann o Schütz.
MÚSICA INSTRUMENTAL E INSTRUMENTOS
Por primera vez en la historia
durante este periodo la música instrumental tiene más peso que la vocal; eso
ocurrirá a principios del S.XVIII.
Durante el Barroco tenemos tres
etapas cronológicamente hablando:
1º Etapa 1630; el país más
importante de esta etapa es Italia y todavía la música vocal preponderaba sobre
la instrumental. Había cuatro modelos de composición instrumental:
·
La primera
consistía en imitar las piezas vocales, la forma más importante era la
“Canzona”: Composición instrumental polifónica, normalmente contrapuntística;
bien a cuatro voces o bien a dos o más coros (cada uno a cuatro voces). Claudio
Medulo, alumno de G. Gabrieli.
·
La segunda;
son obras multi seccionales, o con muchas secciones que contrastan unas con
otras (normalmente a secciones lentas les suceden secciones rápidas, pulsos
binarios con pulsos ternarios), la forma más representativa era la sonata:
Forma de varias secciones contrastantes; el instrumento más importante era el
violín y la textura era melodía + bajo continuo. Entre los compositores
destacan Viagio Marini y Darío Castello.
·
El tercer
modelo es la música de danza; idénticas a las formas de danza del Renacimiento,
solían tener estructura binaria AB y las danzas se agrupaban en suites.
·
Música de
carácter improvisatorio y variaciones musicales. Entendemos por improvisación
la invención de música sobre la marcha, a partir de una melodía conocida, a
partir de un modelo melódico inventado por el compositor, a partir de un bajo
ostinato o a partir de una secuencia de acordes enlazados. En las formas
destacamos la Tocada-la invención del preludio y el tema y variaciones. Entre
los bajos ostinatos más importantes destacamos el “bajo de chacona”, la
pasacaglia y sobre todo la folía. Entre los compositores destacamos Frescovaldi
(1583-1643) y Tarquinio Medula.
2ª etapa, es el momento en el que realmente el Barroco se
expande de Italia al resto de Europa. La música instrumental tiene ya tanta
importancia como la vocal. Entre los países de este periodo, en primer lugar
citamos a Italia: En esta zona geográfica el violín se convierte en el
instrumento por excelencia de la música Barroca. Gracias a los lutieres-fabricantes de instrumentos de
cuerda-que sobre todo residían en la zona de Cremona-. Entre esto destacamos a
Stradivadius y Amati.
Entre las
formas musicales destacamos las piezas multipartitas, es decir obras divididas en movimientos independientes entre
estas destacamos:
La sonata da camera, que tiene cuatro movimientos:
Allemanda, Corrente, Zarabanda y Giga. Y la sonata de Iglesia, de cuatro movimientos:
1º Largo, 2º Fuga, 3º Largo, 4º Allegro. Entre los compositores destacamos los
de la escuela de Bolonia, ciudad en la que destaca la trompeta como instrumento
más importante, siendo el compositor más importante Torelli. En Venecia destacó
las sonatas de cámara para el violín, siendo el más conocido Legrenzi.
El segundo país en importancia es Francia, que en el siglo XVII vive su siglo dorado (guerras a España),
época de los reyes Luis XIII y sobre todo Luix XIV (Rey Sol). La música
instrumental en Francia se caracteriza por la pomposidad a la par que la
intimidad y la nota común en ambas es el buen gusto.
Francia crea sus propias formas instrumentales,
como la suite de danzas que en Francia sí que se bailaban y muchas veces se
extraían de las óperas y tragedias líricas. Igualmente se cultiva mucho la
música de cámara y las piezas para solistas . Los instrumentos solistas por
excelencia eran la viola da gamba (septicorda) y el clavicémbalo. Y entre los
compositores destacamos a Marin Marais y a François Couperin, el violín se
introdujo en la música de cámara francesa a final de este periodo.
En Alemania
la actividad musical se había reducido al mínimo debido a la guerra de los
treinta años, solo después de 1650 vuelve a cultivarse con impulso la música
instrumental. En el ámbito protestante el instrumento por excelencia era el ÓRGANO que se empleaba en la liturgia
luterana, allí se cultivaban mucho los preludios corales (improvisaciones a
partir de los corales de los domingos o canciones conocidas). En esta zona de
Alemania, se continúa componiendo según la técnica de la textura polifónica
contrapuntística de los maestros francoflamencos del Renacimiento, y es en este
ámbito donde aparece la fuga. Entre los compositores más importantes destacamos
a dos: Buxtehude y Pachelbell.
La zona sur de Alemania era católica y por tanto
imita la música italiana (sonatas, conciertos, música para violín), siendo el
músico más importante Biber (violinista).
3º
Barroco (1680-1730), es la época
en la que la música instrumental toma, al fin, más importancia que la vocal, y
es también en este periodo donde se dan los compositores más famosos (Vivaldi,
Bach, Handel). Desde el punto de vista de las formas musicales: se consolidan
las del segundo Barroco y sobre todo aparece el concerto. Desde el punto de
vista de la armonía se escribe música en todas las tonalidades (24) ya que se
aplica el sistema de afinación temperado (aquel que permite tocar en las 24
tonalidades). En este momento aparecen los primeros directores de orquesta,
normalmente violinistas o clavecinistas.
Al violinista principal se le llamaba concertino.
En Italia destacan dos ciudades:
·
Bolonia: Aquí
se desarrolla el concertó Grosso, para orquesta de cuerda; violines primeros y
segundos, violas, violoncellos, contrabajos y clave; que conciste en una obra
de cuatro movimientos (lento, rápido, lento rápido) en la que un pequeño grupo
de instrumentos de la orquesta-normalmente dos violines y un cello-tocaban
pasajes solistas que se interpolaban entre el tutti. El músico más famoso de
esta escuela fue Arcangello Corelli (compuso doce conciertos grossos,
publicados en 1707- pasó gran parte de su vida en Roma).
·
Venecia en
esta ciudad aparece el concierto con solista; tiene tres movimientos (Rápido,
largo, rápido) y el esquema formal es el siguiente:
1º y 3º movimiento: Tutti (A r, Br, Cr, DR) (Solo) (Ritornello
tutti) solo (R.t)
2º movimiento: :A:I :B: . Entre los compositores venecianos
más importantes destacamos a los hermanos Marcelo, a Albinoni y sobre todo
Antonio Vivaldi-escribió más de 500 concertos algunos de ellos para dos o más
solistas, el instrumento para el que más escribió fue el violín ya que el era
violinista-. Otros conciertos los escribió para la orquesta de chicas del
orfanato de la piedad. Entre las obras de Vivaldi destacamos la más famosa
entre los doce conciertos Opus 8-donde está compiladas las 4 estaciones-
En Francia coincide con el rococó
o estilo Luis XV, se caracteriza por su gran ornamentación y adornos que casi
ahogaban las melodías. Se sigue componiendo para la viola da gamba de cuatro
cuerdas destacándose a compositores como Philidor, Forquerai, Mari Mare. Sin
embargo el instrumento solista más importante fue el clave, destacando a
François Couperin y a Jean Philippe Rameau. Estos escribían numerosas
colecciones que recibían el nombre de Ordres y cada uno de los movimientos o piezas de las
ordres tenían un título dedicado a una mujer (la reveuse, l’arabesque); estas
piezas eran bastante amaneradas; tanto o más como los trajes, pelucas y
miriñaques de las personas que las tocaban y las escuchaban.
Respecto ene l concierto en
Francia no se utilizó demasiado, más bien en la suite y en la sonata.
En Alemania brillan 3
compositores: J.S. Bach (1685-1750) J.F Handel (1685-1759) y J.F Telemann(1681-1767).
Los tres vivieron en el ámbito protestante y salvo Bach, que no escribió
operas, cultivaron todas las formas vocales e instrumentales de su tiempo.
·
Johan
Sebastian Bach. Es uno de los compositores más grandes de la historia.
Violinista, organista y clavecinista consumado, escribió básicamente para estos
instrumentos.
Respecto al órgano siguió la tradición
del órgano luterano de Buxtehude, por este motivo escribió gran número de
tocatas y fugas, preludios corales, fantasías corales…
Respecto al clave escribió música en los estilos franceses-suites
francesas-en estilo italiano-concerto- o en estilo Alemán-partitas-
destacándose especialmente los volúmenes
de “El clave bien temperado”, u otras como “fantasía y fuga cromática”,
invenciones a dos o tres voces o el “klavier übungen”-estudiantes- también
compuso trece conciertos para clave y orquesta siendo el más famoso el de
cuatro claves y orquesta.
Respecto al violín lo trató tanto de forma solista como de instrumento de
cámara como instrumento de orquesta. Entre las piezas para violín solista
destacamos las tres sonatas y tres partitas para violín. En las orquestas de
cámara destacamos nueve sonatas par violín y bajo continuo, 5 sonatas para
flautas y bajo continuo, 3 sonatas para viola da gamba y bajo continuo , 6
suites para violonchelo solo, una suite para flauta travesera sola.
Respecto a la música orquestal Bach
escribió tres conciertos para violín y orquesta-uno de ellos para dos
violines-así como cuatro suites orquestales con movimientos de danza precedidas
por una obertura y los llamados “seis conciertos de Brandemburgo”, que en
realidad son conciertos grossos con varios solistas de orquesta .
Handel a diferencia de Bach viajó por toda Eurpa, formándose en Itala y
pasando la mayor parte de su vida en Londres. Durante su etapa de formación en
Roma escribió, básicamente, para violín
y bajo continuo aunque también utilizo el oboe, flauta y bajo continuo;
componiendo algunas trío sonatas (violín, flauta y bajo continuo). Conoció a
Corelli y a imitación de este compuso 12 conciertos grossos (Opus 3) para
orquesta de cuerda. Años más tarde escribiría otra colección de conciertos
grosos (Opus 6-oboes-). Handel era básicamente organista, razón por la cual
escribió música solista para este instrumento y 16 conciertos para órgano y
orquesta de influencia alemana. Así mismo escribió obras para clave, destacando
la colección “el herrero armonioso”. Por último debemos destacar sus suites
orquestales de música de danza como las tres suites de la música de la danza o
la suite de los reales fuegos artificiales.
Telemann, uno de los compositores más prolíficos de la historia,
escribiendo 4500 obras, incluyendo 50 óperas. Se hizo rico vendiendo sus obras
en formas de fascículos. Junto a Handel fue el músico más conocido de todo
el Barroco y escribió para todos los
instrumentos y formas instrumentales conocidas, así como en todos los estilos.
Destacamos Doce fantasías para violín solo, sonatas metódicas (instrumento
solista+B.C o trío sonata). Otras composiciones para flauta, violín, viola da
gamba y clave…
Entre
la música para orquesta destacamos una gran cantidad de suites como por ejemplo
Don Quijote o la música acuática para el Almirantazgo de Hamburgo. Conciertos
para diversos instrumentos… flauta travesera.
La música de Bach se
clasifica con tres letras BWV 1006, Bach Werke Verzagnis, es la obra del
catálogo de Bach 1006.
BIOGRAFÍA
J.S BACH
El primer
gran compositor moderno
Se eligió a Bach para representar a la humanidad
en el Voyager 1.
Sin Bach no habría habido la misma historia, ni
Mozart, betthoven, romanticos. Bach como inspiración.
Se lamenta su pérdida más como pianista que como
compositor, y no es hasta un siglo después cuando se le reconoce como
compositor.
El objetivo último de la música, para Bach, debía
de ser el amor a Dios y recreación del espíritu. Se considera su música como la
culminación de la época Barroca y el inicio de la edad moderna.
Articular el espíritu de la modernidad. Nosotros
modernos. Al padre de la cultura espiritual.
Una
familia musical
Nació en Turingia, en centro de Alemania en 1685,
un territorio de ducados y ciudades libres, poco coesinados. Casi todos los
gobernantes contaban con sus compositores privados, por lo que cosmopolitismo
de los compositores.
El padre de Bach era violinista y trompetista
trabajador de una corte Local y sus hermanos en otras cortes. Los encuentros
familiares que se daban en la iglesia de San Jorge le dio una gran capacidad.
Su familia era una de las más importantes de los siglos 16 y 17 músicos.
La
tradición Luterana
En la tradición luterana, la música es
importantísima para su culto. Un elemento esencial.
Recibió influencia de Lutero, Bach anotaba en la
biblia luterana.
En el mundo luterano no existen las liturgias ni
los sacramentos, por lo que la unión con dios se hace mediante la palabra
directa-sin sacerdotes-por esa razón, una forma de darle sentido transcendente
a la palabra de dios es a través de la música. Solo compuso una pieza cantada,
el credo.
Tras la muerte de sus padres cuando tenía 10 años,
se sintió abandonado y maduró su actitud personal y musical. Lo que haría era
en la música sería crear un mundo mejor y suyo.
Arnstad
Fue acogido en la casa de su hermano mayor, un
organista, que le dio sus primeras lecciones. Recibió una beca para estudiar
música y a los 18 años consiguió su primer empleo en Arnstad como organista.
Era un joven rebostante de ideas musicales y con na tremenda técnica, por lo
que los himnos le resultaban aburridos y los ornamentaba con un peculiar paso
diferente entre los acordes, con escalas rapidísimas (improvisaba variaciones).
Con 20 años marcha a estudiar con Buxtehude para perfeccionar su técnica en los
teclados, con un permiso para tres semanas, aunque él se quedó cuatro meses.
Primer
matrimonio
Los gobernantes se quejaban de una misteriosa dama
que invitaba y de una pelea con un fagotista. Bach y su prima María Bárbara empiezan a vivir
juntos en Mulhausen-compone sus primeras cantatas(Auf der tiefe y Actus
Tragicus) Le costaba por la poca representación y problemas con el pastor. Se
marchó a ser compositor de cámara para el Duque de Weimar.
La
influencia de Vivaldi
A través de la corte entró en contacto con mucha
música diferente. El hijo del duque le llevó unas composiciones, traídas de
Amsterdam, pertenecientes a Antonio Vivaldi que terminaron por realizar el estilo
de Bach.
El comienzo dramático, lo perfecionó y lo
caracterizó manteniéndolo a lo largo de la pieza. Florituras dramáticas son de
influencia italiana.
Contrapunto
El mejor de occidente.
Compositor contrapuntístico. Hilos diferentes armoniosos. Armonías y acordes muy importantes. En la corte de
Weimar compuso fugas, cantas y danzas. Tanto como para nobles como para
eclesiástica. No separación, ceremonial (danza). Uso de Re M y tromepeta. Sacra
o Secular. Cuando lo rechazan como director musical de Weimar se enfada tanto
con el duque que lo meten un mes a la cárcel.
El clave
bien temperado
En Köten compone el clave bien temporado para
jóvenes deseosos de aprender. 3 y 5 y a partir de bach con 8 afinación. Novedad
de las tonalidades, compromiso. Los bajos en bach son “singin bass” siempre
continúan. Todos los grandes compositores aprendieron tocando Bach en el piano
(Chopin, Bethooven, Mozart, Schuman). Limpiarse a fondo.
Anna
Magdalena
Su esposa muere enferma mientras él está de viaje
con el príncipe Leopold. Se casa con la hija de un músico, que
probablemente le aconsejase, por lo que influye en la abstracta música de Bach.
Sus manuscritos, ondulaciones.
Bach busca otro trabajo.
Leipzig
Lo encontró en esa ciudad, con 28 años es nombrado
maestro de capilla y pasó allí el resto de su vida. Semana de trabajo de
cantatas. Enfrentamientos y discusiones, asalario, invierno en la que moróa
poca gente, cantates. Universidad, Escuela, Eclesiasticos, Rey de Sajonia. Se
hace director de la música religiosa de toda la ciudad (universidad e iglesias).
La pasión
según San Mateo
Obra más importante de Bach-compendio de todo lo
que sabía hacer-. Comparación con la de Handel, simple pero muy dramática.
Similar en ritmo pero en sonido es mucho más rica. The others voices. Soprano
ni tenor. No tiene paralelo. Un maestro
de la música capaz de articular sus sentimientos en momentos de patetismo. Barme
Dieg intensidad dramática.
La misa en si m
Compuesta en el grueso de su carrera musical, y se
publicó póstumamente. Abarca una gran variedad de estilos. Géneros (dramática,
militar con danza de tres cuartos típcica del rey sol) el servicio de Dios a
alabanza. Las trmpentas parecen llegar a lo celestial.
La fuga
En 1749… comienza a componer las fugas, había
caído enfermo pero sigue trabajando. No
las llega a completar. Era un compendio de lo que él sabía a l igual que san maeto. Falleció antes de terimnar su fuga
final, 14, y la dejo incompleta, obra de arte incompleta, con un final abrupto.
28 julio 1750. 65 años sin testemento y herencia de 1000 músicas,. Bethoven
dios Wagner milagro.
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