CLASICISMO
De acuerdo con Jorge Luis Borges “lo clásico es
aquello que se lee-en nuestro caso lo que se escucha o toca- con fervor a
través de las generaciones”. En nuestro caso la música clásica hace referencia,
en primer lugar a esa música intemporal del clasicismo, y en segundo lugar a la
música de cualquier época que se sigue escuchando con interés.
El periodo clásico coincide cronológicamente con
el neoclasicismo-esto es las manifestaciones artísticas entre 1750 y 1810-,
aunque algunos musicólogos prolongan este periodo hasta la muerte de Beethoven
en 1827. Durante estos 70 años que dura el movimiento conocemos dos fases: la
primera se conoce con el nombre de estilos preclásicos y la segunda como el
Clasicismo vienés (La música de Haydn, Mozart…)
Estilos
preclásicos
Hacia 1750, fecha de la muerte de Bach, se
consideraba el estilo Barroco pasado de moda, ya que se le veía ampuloso,
complicado y sobre todo antinatural. Para los filósofos de este momento,
especialmente para Rousseau, la música debía mostrar las verdades del corazón,
esto es; debía ser sencilla, directa, galante, natural, equilibrada; y
curiosamente los hijos de Bach fueron los de desmontar la música de Bach,
teniendo más éxito que su progenitor. Por esta razón los filósofos consideraban
la música barroca como la última de las artes, de hecho, Immanuel Kant la trató
de forma muy lateral en sus obras como
algo simplemente agradable que endulzaba la vida. Sin embargo, a la muerte de
Beethoven se la considera la primera de las artes, ya que era capaz de expresar
y comunicar lo inefable.
El primer estilo preclásico nació en Italia y se
conoció como el estilo galante, siendo Milano la ciudad donde vivieron autores
como San Martini o Alberti. Construían sus melodías de forma sencilla y
cantábile. Tenían dos partes la primera se llamaba consecuente y la segunda
antecedente. Las armonías simples, no se buscaban los acordes barrocos, su
ritmo armónico es lento. Desaparece de este estilo el bajo continuo y en su
lugar aparece el llamado el bajo Alberti que consiste en una serie de acordes
desplegados en forma de arpegios, con los que se acompañaban las melodías.
Igualmente, en Italia con el estilo galante se
inventan los primeros cuartetos y sinfonías de la historia (ver audición Sinfonía en Fa M nº22 de San Martini)
El segundo estilo preclásico fue el estilo
expresivo alemán. Uno de los músicos más importantes de este estilo fue Karl
Philip Emmanuel Bach, el hijo mayor de Bach. Éste trabajo para Federico el
Grande, rey de Prusia-muy aficionado este a la música y tocaba la flauta
travesera- K.P.E Bach fue un gran instrumentista y compositor y escribió las
primeras piezas de calidad para piano de la historia, adaptándose tanto a los
músicos amateurs como a los profesionales. Entre sus obras destacamos sonatas
para piano, para teclado y orquesta, para cello y orquesta y lo más famoso son
las sinfonías de Hamburgo.
El tercer estilo preclásico es el llamado estilo Manheim, recibe el nombre
de una ciudad del oeste de Alemania, en la cual, y en torno a la corte del
elector Carlos Teodoro, se creó una gran orquesta con los mejores músicos
instrumentistas y compositores de Alemania de ese momento. Esta orquesta fue
reconocida por su disciplina de ejecución, entre las aportaciones, destacamos
las siguientes:
§ Empleo de la sinfonía con profusión
§ La melodía lo domina todo
§ Empleo de creszcendos y diminuendos
§ Melodías de dos, cuatro u ocho compases
§ Empleo del martellato
§ Empleo de nuevos instrumentos como la trompa-para
mantener armonía- y sobre todo el clarinete.
La orquesta de Manheim estaba formada por cuerda,
viento-maderas (c,o) y metales (trompas)- y la percusión-timbales-. Entre los
compositores destacamos a Johan y Karl Stamitz. Esta escuela se desintegró
cuando el elector ser marchó a vivir a München.
El cuarto y último estilo preclásico lo
encontramos en Londres, ciudad en la que residió Johan Christian Bach, el hijo
menor de J.S Bach. Este se centró sobre todo en los conciertos para piano y
orquesta, de los que compuso más de treinta e influyó notablemente en un joven
Mozart de nueve años.
Clasicismo
vienés
La música clásica tuvo en Viena uno de sus
encuentro más importantes, allí coincidieron compositores tan importantes como
Joseph Haydn (1732-1809), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Ludwig Van
Beethoven (1770-1827).
El estilo clásico creado por estos autores en
realidad resumía las aportaciones de las ecuelas o estilos preclásicos. El
músico encargado de fusionar estos estilos fue básicamente Mozart, ya que viajó
a Italia, Francia, Inglaterra, Holanda y por el interior de Alemania. Estos
compositores se centraron tanto en la música vocal como en la instrumental, a
excepción de Beethoven.
Especialmente importante son las aportaciones a la
música sinfónica de estos tres autores:
COMPOSITORES
Joseph
Haydn
Eescribió 104 sinfonías. Las primeras de ellas de
carácter descriptivos, destacando la 6-La mañana-, la 7 –la tarde- y la 8 –la
noche-. Al ser contratado por la familia Ersternhazy se marchó a trabajar a la
ciudad Esterhaza, ciudad húngara.
Se centró sobre todo en la nueva moda “sturm und
drang”, en esta estética compuso cerca de 50 sinfonías destacándose la 29-el
filósofo-, la 44-trágica-, la 45-los adioses-, la 47-maria teresa-; se
caracterizaban estas sinfonías por el contraste entre momentos impetuosos
seguidos de momentos de calma que detienen y refrescan la impetuosidad de la
música. Su tercera etapa sinfónica coincide con las llamadas “sinfonías de
París” entre las cuales destacamos la número 77. Su última etapa coincide con
la década de los noventa y se conocen como “sinfonías de Londres”, son doce
sinfonías, destacándose la 101-el reloj-, la 94-la sorpresa-, la militar-100-.
El estilo de Hayden influyó notablemente en su alumno Beethoven.
Solo a partir de 1670 (40) escribía sus sinfonías
en cuatro movimientos( I. Allegro con forma de sonata(aunque con un tema),
II.Adagio, III. Minueto con trío y el IV.Allegro con forma de Rondeau sonata o
de sonata.
Respecto a la composición de la orquesta de
Haydn era la siguiente: 12 violines primeros, 10 violines segundos, 8
violas, 6 cellos y 4 contrabajos en cuerda. Respecto al viento se empleaba 2
flautas, 2 clarinetes, 2 oboes y 2 fagots, respecto a los metales se utilizaban
2 trompas y 2 trompetas y en la percusión dos timbales. Esta orquesta no solía
tener director, siendo coordinada por el concertino.
Wolfgang
Amadeus Mozart realizó numerosos
viajes que marcaron su obra, así por ejemplo sus primeras sinfonías son de
influencia galante italiana-ya que las compuso en Italia- cuando solo contaba
con 8 y 9 años de edad. Las siguientes sinfonías las escribió en Londres
influido por J.C Bach y tenían tres movimientos. Hacia 1771 cuando tenía 15
años, compone en Salzburgo (vivió viena Praga)
cinco sinfonías(70), ocho(71-72) y otras cinco en el 73, todas estas
influenciadas por C.F.E Bach y Joseph Haydn. Tras esta fecha hay una pausa de
cinco años en la que Mozart se centra en componer serenatas, divertimentos y
conciertos. En 1778 viaja a París y compone la llamada “sinfonía París”. A su
vuelta, deseoso ya de marcharse a Viena escribió todavía un par de sinfonías en
Salzburgo, sin embargo sus obras maestras las escribió en Viena—entre las que
destacamos la sinfonía nº 35, nº 39, nº 40 y la nº41 Júpiter- esta última
escrita entre 1785 y 1788 . Sus sinfonías de madurez se articulan ya todas en 4
movimientos-al igual que con las de Haydn- Mención aparte merecen los
conciertos que este compositor escribió para diversos instrumentos, los
conciertos para piano nutren el grueso de su producción, ya que escribió 27,
todos tienen tres movimientos-Allegro,Andante,Allegro-. Los más interesantes
son los que compuso en Viena a partir de 1882 como el número 17, “el concierto
de la conoración” nº 24. Escribió 5 conciertos para violín orquesta, 4
conciertos para trompa y orquesta, 2
conciertos para flauta y orquesta, 1 concierto para clarinete y orquesta, y
otros como conciertos para oboe, viola y violín… El más bello quizás sea el
concierto para clarinete y orquesta, escrito poco antes de su fallecimiento.
Ludwig
Van Beethoven
Nació en Bornn, Alemania, en 1770 y su padre lo
quiso educar como niño prodigio, pero fracasó su intento. Pronto demostró un
enorme talento para el piano, estudiando con Haydn y recibiendo algunas clases
de Mozart, el cual dijo que era “el futuro de la música”. Por este motivo sus primeras sinfonías se
inspiran en la estructura de las sinfonías de Haydn, especialmente la nº1 y la
nº2 que arrancan su primer movimiento con una introducción lenta, en Adagio,
sin embargo Beethoven no escribió su primera sinfonía hasta 1800- a los 30
años-.Su sinfonía nº3 “heroica” estaría
dedicada a Napoleón, pero al enterase de que este se había coronado emperador,
le arrancó la dedicatoria; compuso una marcha fúnebre-utilizada como segundo movimiento-
y la tituló “ la sinfonía heroica de un
héroe”. La sinfonía nº5 la compuso entre 1805 y 1806, especialmente destacable,
quizás la sinfonía más famosa de todos los tiempos(papappam)-esta sinfonía se
conoce como la sinfonía del destino- Así llama el destino a tu puerta y fue
escrita en un momento de gran dificultad emocional, ya que se estaba volviendo
sordo.
La 6ª sinfonía o “Pastoral” se inspira en la
naturaleza-último movimiento tormenta quinta- fueron estrenadas en el mismo
concierto.
La 7ª sinfonía compuesta en 1807 y se caracteriza
de un enorme poderío rítmico y gran vitalidad, motivo por el que existen varias
coreografías de ballet elaboradas a partir de esta ópera de Beethoven. Wagner
hablaba de esta como “la apoteosis de la danza”.
La octava sinfonía fue escrita en 1807,
destacándose la belleza de su segundo movimiento.
Mantuvo un silencio creativo cuando se quedó
sordo.
Sin embargo, cuando todo el mundo le consideraba
acabado, escribió en 1818 su última sinfonía, la 9ª, La coral en Re m-escrita
en 4 movimientos- el primero es un Allegro de sonata, el segundo una fuga en
Allegro, el tercero un Adagio y el cuarto introduce un coro que introduce el
texto de Schiller sobre la oda a la alegría (“Ode an die Freude”), en la que
canta a la hermandad entre los hombres. Beethoven emplea para ello el
dispositivo orquestal, al que suma un coro mixto y cuatro solistas vocales (S,
C, T, B). Lo más excepcional de esta sinfonía es el cuarto movimiento, que se
inicia con un pasaje musical en el que Beethoven resume los tres primeros
movimientos, arranca entonces, tras un recitativo instrumental, en los chelos
el famoso tema de la “ode an die Freude” . El tema lo retoma el coro y los
solistas que variándolo desgranan la poesía completa de Schiller-la oda-, la
obra termina con una grandiosa coda que eleva el espíritu de cualquier persona
que la escuche. Además de sus nueve sinfonías Beethoven escribió otra música
sinfónica, en primer lugar citaremos sus oberturas como coreolano, la música
para el ballet de las criaturas de Prometeo, la música incidental llamada las
ruinas de Atenas, o las tres oberturas teodoras, por último destacamos también
su obertura Egmont. Recordamos que Beethoven era pianista antes de quedarse
sordo, a este respecto se desplazó a Viena a finales de los años 80, allí en
Viena compuso sus cinco conciertos para piano y orquesta, ya se quedó allí y
murió. Los conciertos de piano de Beethoven se articulan en tres movimientos,
el número 1 lo compuso en 1795 y el número 5 en 1809-última obra antes de
quedarse totalmente sordo-, de hecho el interpretaba sus conciertos para sí
mismo, dirigiendo la orquesta desde el piano, este 5º y último
concierto-concierto emperador- es el más grandioso y destaca sobre tdo por el
lirismo de su segundo movimiento.
Igualmente Beethoven escribió dos romanzas para
violín y orquesta y un concierto para este instrumento en Re m, que se inicia
con un solo de timbal.
Respecto a los instrumentos de la orquesta de
Beethoven, en la tercera sinfonía introduce instrumentos de percusión de origen
turco (platillos y bombo) en último movimiento. En la sinfonía 5 aparecen por
primera vez en la historia los trombones en la plantilla orquestal, volviendo a
utilizarlos en la 7ª y 9ª mientras que en la 9ª sinfonía un tercer timbal a
parte del ya mencionado coro mixto y
solitas vocales-que no se volvería a hacerse hasta l sinfonía resurrección nº 2
de Gustav Mahler-.
Conclusión: las consecuencias de la música de
Beethoven se dejaron sentir en todo el siglo XIX, los grandes autores románticos
de este siglo lo tomaron como modelo absoluto a imitar y la sinfonía de estos
era un calco de la estructura de las de Beethoven, de hecho este había cambiado
el minueto por el Scherzo y todos los compositores del IX lo siguieron.
Schumann, Mandelsohn, Bizet y Brahms fueron sus más fieles admiradores, de
hecho este último no compuso sinfonías hasta los 33 años. Hasta el siglo XX
nadie se atrevió a escribir una décima sinfonía.
MÚSICA
VOCAL DEL CLASICISMO: MÚSICA RELIGIOSA Y MÚSICA OPERÍSTICA. LA REFORMA
DE GLUCK. LAS ÓPERAS DE MOZART.
Música
vocal Clasicismo
La música vocal se valora mucho menos que la
instrumental en este periodo, a su vez la música operística es más cultivada
que la religiosa-dignas de mención en este género obras como: La misa de la
coronación o el Requiem de Mozart, inconclusa a su muerte, el oratorio “la
creación” de Haydn o la misa en Do m de Beethoven- incluso hay algunas obras
instrumentales de temática religiosa como por ejemplo “Las siete últimas
palabras de Cristo en la Cruz” de Haydn. Mucho más importante es la música
escénica, especialmente la ópera.
La
reforma de Gluck
Hacia mitad del siglo XVIII el espectáculo de la
obra se había convertido en un pastiche en la que divos y divas cantaban a su
antojo arias pertenecientes a otras óperas porque les daba la gana. Por este
motivo el sentido dramático de la acción y de la historia dejaba mucho que
desear, hubo varios intentos de reforma, pero no fe hasta 1777 cuando el alemán
Cristof Williwan Gluck propone una amplia reforma que llevará a la práctica en
varias de sus óperas- Alcestes-, a partir de aquí lo llevará a la práctica en
“Orfeo y Eurídice”, “Ifigenia en Aulide”.
Gluck residía en París, ciudad en la que había una
interesante vida cultural e intelectual en la que bullían nuevas ideas de
cambio donde destacamos las ideas de pensadores como Rousseau y otros
ilustrados defensores de las nuevas corrientes que proclamaban que la música
debía de ser natural, sencilla y obedecer a las razones del corazón. Así en el
prólogo de Alcestes expone su ideario, que es el siguiente:
·
La ópera se estructura
en cinco actos-en vez de tres- siguiendo las tres unidades griegas.
·
Se vuelve a
reintroducir el coro en la ópera.
·
Dentro de un
aria se puede cambiar el tempo y carácter.
·
Grandes
cambios de dinámica como en el “Sturm und drang”.
·
Se
reintroduce el ballet de nuevo.
·
Por último
las melodías se llenan de suspiros, de simétrica y se pierde el bajo continuo.
Las
óperas de Mozart
Este autor de Salzburgo escribió su primera ópera
a los 11 años y su última poco antes de morir-la flauta mágica-. Estuvo siempre
muy interesado por este género a lo largo de su vida, cultivando todos los
estilos operísticos de su ópera. Así por ejemplo vamos a hacer un repaso de
estos géneros:
·
Ópera
bufa-basada en temas de la vida cotidiana-. Mozart sigue la estela de los
grandes músicos de ópera bufa de su momento como Paisiello-El barbero de
Sevilla-, Cimarosa o Vicente Martín y Soler, por este motivo sus óperas tienen
temáticas muy desenfadadas y hasta cómicas, por ejemplo, las bodas de
Fígaro-libro de Beaumarchais bastante revolucionario- comienza con un criado de
rodillas que está midiendo la cama. Otra ópera bufa muy importante es “Cossi
fan tutte”, esta trata de un matrimonio que se había desenamorado por el tedio
de la convivencia diaria y ella se disfraza de chica sexy para volver otra vez
a enamorar a su marido.
·
Respecto la
ópera seria de Mozart, ésta esta escrita también en italiano y su argumento
versa sobre episodios de la antigüedad. Cabe destacar dos obras: Idomeneo Rey
de Creta (1780) y Tito, una de sus últimas óperas en 1789, donde todavía
aparecían castrati. Sin embrago, Mozart escribió óperas en alemán, con óperas
cantadas y partes habladas, este género se denomina singspiel.
·
Estos
singspiel solían tener un carácter un tanto cómico e iban precedidos por una
obertura, de hecho la primera ópera de Mozart-compuesta cuando tenía nueve
años- “Bastien y Bastienne” es un singspiel. Su segundo singspiel en
importancia es “El rapto en el serrallo”-trata sobre un arén turco en el que
hay cautiva una blanca enamorada de un cristiano(Belmonte y Constanza), él hace
todo lo que puede para librarla, dando lugar a números cómicos-. Sin embargo,
el singspiel más importante es la flauta mágica de 1791, es una historia
fantástica, un tanto exótica, en dos actos y cuenta la historia de Tamina, hija
de la reina de la noche que ha sido rastrada por Sarastro; Tamino, que se ha
enamorado de ella, decide rescatarla con una flauta mágica que él toca y con la
ayuda de su criado Papageno. El malvado Sarástro habita en el templo de la
sabiduría y se rige por ideas masónicas, destacamos en este ópera la obertura y la famosa aria de la reina de
la noche.
La música escénica de Beethoven
Beethoven
en realidad escribió solo una ópera: Fidelio (1805). Bastante influenciada esta
ópera por la llamada “ópera francesa del terror”. El argumento de Fidelio es el
siguiente: Bizarro quiere asesinar a Florestand, al que ha encarcelado
injustamente, pero se lo impide su esposa Leonor, que se disfraza de hombre con
el nombre de Fidelio. Cuando está a punto de fracasar, llega el gobernador
amigo de Florestand y lo libera-la pieza termina con un patriótico himno a la
libertad y la justicia-.
Beethoven
también escribió música incidental para obras de teatro, como por ejemplo la
compuesta para la obra de Shakespeare Coriolano o Etmon.
La música de cámara
Llamamos
música de cámara a aquella interpretada por pocos ejecutantes, bien para su
propio solaz o bien para conciertos públicos. La música de cámara se interpretaba
en salones, más que en salas de conciertos y el público era más bien reducido,
casi siempre grupos de expertos y aficionados a este género musical. Los
instrumentos más empleados en la música de cámara eran los de cuerda, en
especial el violín y el violonchelo, acompañado por un piano. Entre las sonatas
para violín y piano más importantes destacamos las escritas por Mozart-16- y
las de Beethoven-10-, éste también escribió 2 sonatas para cello y piano. Otra
formación de cámara importante es el trío, que se presenta en dos modalidades:
El trío con piano, formado por violín violonchelo y piano-destacamos los de
Haydn y los de su alumno Beethoven(ed:trío fantasma)- y el trío de
cuerda-violín, viola y chelo-, destacamos especialmente el trío “archiduque” de
Beethoven.
Sin
embargo la formación más importante de la música de cámara es el cuarteto,
especialmente el cuarteto de cuerda-violines, viola, chelo- especialmente
importante es la contribución de Haydn al cuarteto de cuerda, escribiendo más
de 50 entre 1755 y 1803; entre estos destacamos los 6 cuartetos Opus 20 (1772),
los 6 cuartetos opus 33 (1781) y sobre todo los 6 cuartetos Opus 66 de 1797.
Mozart también escribió para esta formación influenciado sobre todo por los de
Haydn, destacamos especialmente su cuarteto de las disonancias.
Respecto
a Beethoven, escribió 16, los 6 primeros en su juventud, 5 hacia 1806-madurez-,
terminando su vida escribiendo 5 últimos cuartetos. Pocos días antes de morir
terminó la fuga del que iba a ser su último cuarteto, por lo que esta obra de
Beethoven se conoce como “La gran fuga”, Opus 135 de Beethoven.
También hay formaciones de música de cámara
con instrumentos de viento, como el quinteto de viento, y otras mixtas de
cuerda y viento, como por ejemplo septinino, que añade al trío de cuerda una
trompa, un clarinete y un fagot.
Ballet de espectáculo
Durante
el Clasicismo, se producen varios cambios en el ballet.
Francia es el país que más destaca sobre los demás en el ámbito del ballet, de
hecho los grandes compositores residían en París, como Gluck que no solo
incluyen el ballet de nuevo en sus óperas, sino que además escribe suites de
ballet exclusivamente para la escena-Alejandro-. Entre las novedades
introducidas citamos, por ejemplo, la nueva moda que introduce Marie Camargo,
consistente en el acortamiento de las faldas-para ver las piernas- y la
eliminación de los tacones de los zapatos-creando pasos más estilizados-. Sin
embargo, el gran reformador del ballet fue el coreógrafo Jean Georges Noverre
(1727-1809), que entre otras cosas hace desaparecer las máscaras que cubrían a
los bailarines, da a los ballets ideas dramáticas y deja escrito un libro
revolucionario: “Carta sobre la danza y el ballet” (1960), en este libro
escribía que el ballet no es un simple pretexto para bailar, sino un modo de
expresar una idea romántica; por otro lado quita las máscaras de los bailarines
y acorta los ropajes y el peso, especialmente de las bailarinas. También se
preocupa por el estudio de la anatomía humana aplicada en la danza. Por último
inventa el llamado ballet d’action,
en el cual el tema se expresa únicamente a través de la danza y la mímica.
También
en Austria hubo un gran maestro de
baile, que trabaja en la corte de Viena, llamado Hilferding y que al igual que
Noverre suprime ropajes y máscaras y demás parafernalia e introduce personajes
de la vida corriente en sus coreografías. Su fama saltó a Rusia, siendo
invitada a la corte de Catalina de Rusia a St Petesburgo, iniciándose en esta
ciudad la famosísima escuela rusa.
El
tercer músico y coreógrafo es el italiano Angiolini,
que trabajó en Milano y sucedió en Viena a Hilferding.
Durante
este período, todos los jóvenes que querían estudiar ballet se iniciaban
aproximadamente hacia los 8 años y trabajaban las cinco posiciones y se
perfeccionaban el barra, frente a un espejo.
LOS INSTRUMENTOS DEL CLASICISMO
La orquesta
Hacia
mitad del siglo XVIII la orquesta sinfónica es la principal agrupación
instrumental, especialmente gracias al repertorio sinfónico de la escuela de
Mannheim. Los músicos de esta agrupación tocaban con gran disciplina y soltura,
siendo la admiración de otras agrupaciones orquestales dispersas a lo largo de
la geografía europea.
Recordemos
que la orquesta de Manheim estaba formada por:
·
Cuerda, 7
violines primeros, 6 violines segundas, 5 violas, 4 chelos y 3 contrabajos.
·
Viento: 2
clarinetes u oboes, dos trompas.
Esta
es la base de la orquesta clásica, a la cual los compositores de la siguiente
generación
- Haydn
y Mozart-, añaden dos flautas, dos fagotes, tres trompetas-no siempre- y dos
timbales.
Estamos en 1770: la orquesta moderna había nacido, recibiendo el nombre
de orquesta sinfónica.
Paulatinamente compositores como Mozart o
Beethoven van añadiendo otros instrumentos como el trombón, el flautín, bombo y
platillos.El S.XIX verá crecer las dimensiones y efectivos de la orquesta hasta
proporciones casi titánicas, pero esta es una historia del romanticismo.
El piano
Gracias a los adelantos técnicos y a la
predilección de este instrumento por compositores como Mozart o Beethoven, el
piano se convierte en el instrumento más importante del Clasicismo. El
antecedente de este instrumento es el clavicordio, sin embargo, el inventor fue
el italiano Bartolomeo Cristofori, que trabajaba como clavecinista en
Florencia, entre 1702 y 1709 construye lo que él llamo “gravicembálo con forte
e piano”, instrumento que continuó perfeccionando hasta 1726, pronto su
instrumento pasó al país de la música por excelencia: Alemania. Hay que citar
los dos primeros constructores de piano en Alemania: Schröter y Silbermann-1730
no y 1746 y sí-, el piano que construyó fue del agrado de Federico el Grande de
Prusia. Los hijos de Silberman llevaron a su vez este instrumento a Viena y a
Londres. Stein construye el primer tipo de piano con el que hizo música Mozart
o Beethoven, por otro lado en Londres se da un paso más allá en manos del
constructor Broadwood, que introduce los pedales, diseña su forma de cola y
extiende su tesitura a seis octavas, también aparece el piano vertical, Hodkins
lo inventa hacia 1800. Ya en 1856 el francés Érard crea un mecanismo de doble
escape, el cual permite repetir seguidamente una nota sin que se trabe. Esto es
el punto de partida de las grandes obras virtuosísimas de compositores como
Chopin o Liszt.
Gracias a la revolución industrial, se introducen
en el piano los armazones-primero de hierro y luego de acero-, que permitían
tensar la cuerdas mucho más y permitían un sonido mucho más brillante. Así
hacia 1865, el norteamericano Stenway construye el primer gran piano de cola.
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